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SUMMARY:FIEQ 2026 | Comun Vacío
DESCRIPTION:El acceso es únicamente con donación. \n\nLa Fiesta Escénica de Quito 2026 celebra diez años de consolidar un ecosistema artístico que forma y entretiene a la ciudadanía a través de las artes escénicas\, sus procesos de investigación\, creación y trabajo comunitario. Sigue el hilo de esta edición\, que se desarrollará del 20 de mayo al 14 de junio.  \nLa entrada será mediante donación\, que se receptará en el teatro donde se presentará la obra.\nMateriales para donar: lanas\, agujas\, telas\, hilos\, cuerdas\, pinturas\, goma\, hulas de colores\, platos de colores o vasos reutilizables.\nAdemás\, en el lugar podrán adquirir kits de donación elaborados por vecinos de la zona\, con valores entre $1 y $5.\nSobre la obra\nObra interdisciplinar que se construye a partir de las memorias e historias que nos contaron y se transformaron en recuerdo. Un vacío común consensuado para imaginar posibles mundos\, donde el movimiento como única constante disloca\, relaciona y transforma la experiencia de la escena.   \n\n\nEsta obra surge de la residencia artística realizada del 23 de agosto al 30 de septiembre de 2022 en el marco de la Fiesta Escénica\, impulsada por la Fundación Teatro Nacional Sucre en Quito\, Ecuador. Su estreno se realizó en el Teatro Variedades el 1 y 2 de octubre de 2022.  \n\n\nSobre IN VITRO\n\n\nIN VITRO Danza Contemporánea se crea en el año 2010\, como una plataforma para los proyectos realizados por Lorena Delgado y Oscar Santana\, a partir de la adjudicación de los fondos de apoyo a las artes escénicas iberoamericanas IBERESCENA para la realización del Primer Festival de Danza Contemporánea IN VITRO Cuenca\, Ecuador. Desde ahí\, la agrupación ha sostenido una labor dentro del Ecuador bajo la asignación de premios como los Fondos Concursables otorgados por el Ministerio de Cultura del Ecuador e IBERESCENA\, y proyectándose internacionalmente a través de invitaciones a diferentes espacios de difusión y exposición en EEUU\, Italia\, México y Chile\, con la realización de numerosas residencias artísticas de creación y talleres\, la presentación de espectáculos y la realización de proyectos en la búsqueda de la difusión\, promoción y gestión de la danza contemporánea.  \n\n\nFicha Artística\n\n\n\nDirección y coreografía: Lorena Delgado E.\nDiseño multimedia: Enrique Landivar\nBailarines cocreadores: Alejandra Núñez\, Lídice Robles\, Melissa Salinas\, Sofia Calderón y Vladimir Montenegro.\nDiseño de iluminación: Santiago Vergara\nDiseño de vestuario: Lía Padilla\nFotos: Ricardo Centeno \n\n\nMemorias y movimiento crean mundos posibles en una obra que transforma la experiencia escénica.
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SUMMARY:FIEQ 2026 | Ofrenda
DESCRIPTION:El acceso es únicamente con donación.  \nLa Fiesta Escénica de Quito 2026 celebra diez años de consolidar un ecosistema artístico que forma y entretiene a la ciudadanía a través de las artes escénicas\, sus procesos de investigación\, creación y trabajo comunitario. Sigue el hilo de esta edición\, que se desarrollará del 20 de mayo al 14 de junio.  \nLa entrada será mediante donación\, que se receptará en el teatro donde se presentará la obra.\nMateriales para donar: lanas\, agujas\, telas\, hilos\, cuerdas\, pinturas\, goma\, hulas de colores\, platos de colores o vasos reutilizables.\nAdemás\, en el lugar podrán adquirir kits de donación elaborados por vecinos de la zona\, con valores entre $1 y $5.\nProceso de investigación\nFrente a una crisis humana\, social\, espiritual\, existencial\, que el ser humano atraviesa y que le ha llevado a niveles máximos de quebranto\, confusión\, violencia\, y con la convicción y el compromiso de aportar desde el arte a la reconexión del ser humano consigo mismo y con su entorno\, esta obra parte de recoger la vivencia personal y colectiva\, donde el ser humano transita el proceso del despertar espiritual para alcanzar un luminoso resurgimiento.  Con el principio fundamental de la danza  butoh  de los Andes de integrar la cosmogonía andina sus códigos y símbolos al hecho escénico contemporáneo\, esta obra se proyecta como un ritual escénico orientado a sensibilizar y movilizar la memoria esencial.   \nConceptualización\nConcebida como un ritual escénico de amor\, gratitud y reconexión con lo divino \, esta obra está estructurada como un tríptico coreográfico integrado por las danzas: Ofrenda en Flor\,  Mirando al Cielo y  Renacer de la Gaviota\, tres coreografías que  de s de  la fuerza y ​​sutileza de la danza  butoh \, fusionada con una potente y sublime música\, transitan el proceso del despertar espiritual del ser humano\, que surge desde un acto de contemplación o un acto de quebrantamiento para alcanzar un luminoso resurgimiento que como el ave fénix renace y vuelve a abrir sus alas en el más bello y fino vuelo\, elevando su ofrenda y su plegaria\, abrazando su nuevo amanecer.  1.Ofrenda en flor. – a partir del símbolo y la presencia  de flores en el escenario y conducida por una música esencialmente de coros sacros\, esta danza explora la gratitud como la manifestación espiritual más alta del ser humano.  2. Mirando al cielo. – recoge la profunda paz y memoria de lo divino a través de la contemplación sideral\, abregada principalmente por sonidos de una flauta ritual armenia.  3. El Renacer de la Gaviota. – toma como  metáfo ra el resurgimiento del Ave Fénix para la representación del renacimiento espiritual del ser humano como la máxima expresión de la reconexión con lo sagrado y lo divino\, sostenida por una música contemporánea que fusiona sonoridades ancestrales\, andinas y tibetanas.  La música de cada coreografía recoge un  minuc io sa  selección de composiciones clásicas y contemporáneas\, inspiradas en sonoridades ancestrales\, de meditación y reconexión espiritual. Como un preludio\, cada coreografía inicia con textos poéticos\, los mismos que dan el hilo conductor a toda la obra.  \nFicha artística\n\nCoreografía\, dirección e interpretación: Susana Reyes\nDirección musical: Moti Deren\nElaboración de banda sonora: Moti Deren\, Víctor Sánchez\nVestuario: Susana Reyes y Norma Cajamarca\nJefe de piso: Marco Zambrano\nAsistentes de escena: Rocío Pantoja y Lupe Espinoza\nDiseño de iluminación: Moti Deren\nTécnico de iluminación: Agustín Llumiquinga\nDiseño gráfico: Fernando Navarro\nVideo y fotografía: Leonel Gómez\nProducción general: Casa de la Danza\n\n   \n“Ofrenda” es un ritual escénico que explora el despertar espiritual y la reconexión.
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SUMMARY:FIEQ 2026 | El Conejo de Schrödinger
DESCRIPTION:El acceso es únicamente con donación.  \nLa Fiesta Escénica de Quito 2026 celebra diez años de consolidar un ecosistema artístico que forma y entretiene a la ciudadanía a través de las artes escénicas\, sus procesos de investigación\, creación y trabajo comunitario. Sigue el hilo de esta edición\, que se desarrollará del 20 de mayo al 14 de junio.  \nLa entrada será mediante donación\, que se receptará en el teatro donde se presentará la obra.\nMateriales para donar: lanas\, agujas\, telas\, hilos\, cuerdas\, pinturas\, goma\, hulas de colores\, platos de colores o vasos reutilizables.\nAdemás\, en el lugar podrán adquirir kits de donación elaborados por vecinos de la zona\, con valores entre $1 y $5.\nSinopsis\nEl Conejo de Schrödinger es una obra de Teatro danza que sigue a un astronauta perdido en su propio viaje. En su travesía aparece Harvey\, un conejo gigante que lo acompaña entre cajas\, luces y silencio. Juntos atraviesan distintos mundos donde los sueños toman forma y la realidad se disuelve como un recuerdo. La obra propone una mirada sobre lo humano desde la imaginación: un universo hecho a mano\, donde cada gesto y cada palabra son fragmentos de un sueño que intenta no apagarse. \nTeoría general del conejo y otros sueños persistentes\nEl Conejo de Schrödinger nace del encuentro entre un astronauta y un conejo. Uno busca sentido en el vacío\, el otro lo empuja a mirar más allá. A partir de esa relación se abre un viaje por distintos lenguajes escénicos: el documental\, el videojuego\, el título\, la danza. Cada escena revela una capa del mismo sueño\, una memoria que insiste en no desaparecer. La obra se construye como un espacio suspendido\, hecho de materiales simples: cajas de cartón\, estrellas\, voces y gestos. Todo parece frágil\, pero cada elemento contiene un pulso vital. En ese entorno el astronauta busca comprender qué queda de los sueños cuando dejamos de soñarlos\, y si acaso es posible regresar a la Tierra después de haber habitado el infinito. El Conejo de Schrödinger propone un tiempo donde pensar y sentir se confunden. No intenta responder\, sino mantener abierta la pregunta sobre lo que imaginamos\, recordamos o tememos perder. El universo\, aquí\, se parece a la mente de un niño que juega a construir mundos con lo que tiene una mano. \nGatoRelato/Escena\nEs una compañía independiente de Teatro danza y productora de contenido artístico fundada en 2015 por Nadinka Flores y Pedro S. Montoya. Nace en Ciudad de México y hoy trabajo desde Quito\, Ecuador. A lo largo del camino\, su lenguaje se fue tejiendo entre distintos territorios y colaboraciones\, hasta consolidar una forma de creación donde el cuerpo\, la palabra y la imagen conviven como una misma materia viva. Su práctica se enraíza en una poética del cuerpo influida por el Tanztheater y el Physical Theatre\, donde la acción física se convierte en signo. Cada obra surge de la tensión entre la vida cotidiana y la imaginación\, dando lugar a un teatro de cuerpos que piensan\, recuerdan y deliran. Para el grupo\, el arte es una forma de revelación que abre grietas de sentido en la existencia\, en diálogo con la filosofía de autores que nutren nuestra perspectiva teórica como Heidegger\, Bachelard y Bremound. En estos años han creado más de diez piezas escénicas y audiovisuales presentadas en festivales y espacios de Ecuador\, España\, México y Paraguay. También han desarrollado videodanzas como “Spines” y “La voz de octubre”\, reconocidas por su exploración poética del cuerpo en cámara. Trabaja desde un pequeño laboratorio de creación llamado El Gato Sinfín\, donde se encuentran intérpretes\, diseñadores\, músicos y pensadores que comparten una misma curiosidad por el arte vivo. Cada proyecto nace del juego y el tiempo compartido. \nFicha Artística\n\nProtagonizado por: César Santos (como el astronauta solitario) y Omar Bonilla (como Harvey\, el conejo García)\nEscrita y dirigida por: Nadinka Flores y Pedro S. Montoya\nBandas sonoras originales: Mario Porras\nTítulos: Camilo Pacheco\n\nObra de teatro danza que explora lo humano a través de un viaje entre sueños y realidades.
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SUMMARY:La música de Carlos Amable Ortiz - Bailes de Salón en el Ecuador del siglo XX
DESCRIPTION:Después de su compra no se aceptan cambios y/o devoluciones. \nConcierto – Lanzamiento del álbum\n“La música de Carlos Amable Ortiz: Bailes de salón del Ecuador del siglo XX”** \nEste concierto presenta el lanzamiento del álbum para piano solo “La música de Carlos Amable Ortiz: Bailes de salón del Ecuador del siglo XX”\, un proyecto que recupera y pone en valor trece piezas del compositor considerado el primero en la tradición académica del Ecuador. \nA través de géneros como pasillo\, sanjuanito\, yaraví\, pasodoble y galopa\, el repertorio revela un paisaje sonoro que conecta la historia\, la identidad y la sensibilidad musical del país. El concierto propone no solo una experiencia auditiva\, sino también escénica: cuatro de las obras serán interpretadas desde la danza\, evocando los bailes de salón ecuatorianos del siglo XX y devolviendo a estas piezas su dimensión corporal y social. \nEste trabajo es el resultado de más de una década de investigación liderada por José Manuel Ortiz\, bisnieto del compositor\, quien emprendió la tarea de localizar\, catalogar y reinterpretar un archivo de 237 obras rescatadas de la Casa de la Cultura Ecuatoriana. Gracias a este proceso\, hoy se presentan versiones fieles a las partituras originales\, muchas de ellas inéditas hasta ahora. \nEl álbum —grabado en Buenos Aires en 2019 y masterizado en 2023— pone especial énfasis en el pasillo\, género central en la identidad musical ecuatoriana. De las trece piezas seleccionadas\, siete pertenecen a este estilo\, destacando su evolución desde música de baile hasta forma de escucha íntima y contemplativa. \nEntre las obras se encuentra “Reír llorando”\, una pieza emblemática del cancionero popular que\, pese a su difusión\, no había sido registrada en su versión original. Su inclusión propone un diálogo entre lo popular y lo académico\, evidenciando los procesos de transformación y apropiación cultural. \nEl concierto contará con la interpretación al piano de José Manuel Ortiz\, acompañado por la propuesta coreográfica de Agustín Llumiquinga y la interpretación en danza de Emilia Merizalde\, bajo la producción de Katherine Espinosa. \nMás que un recital\, esta es una experiencia de memoria\, investigación y reencuentro con las raíces sonoras del Ecuador. \n\nFicha técnica\n\nPianista e intérprete: José Manuel Ortiz\nProducción: Katherine Espinosa\nCoreografía y danza: Agustín Llumiquinga\nDanza: Emilia Merizalde\n\n\nRepertorio\n\nLa linda quiteña (danza)\n¡Ay qué hermosa eres! (pasillo)\nNo te olvidaré (pasillo)\nCorazón que sufre (pasillo)\nSoñarse muerto (pasillo)\nMomentos de tristura (yaraví)\nNieto del cui (pasillo característico)\nReír llorando (pasillo)\nCarrera maratón en Quito (galopa)\nBaile incaico (sanjuanito)\nMujeres disfrazadas (pasodoble)\nA unos ojos (pasillo)\nLa nena y bella Inés (pasodoble)\n\nIntérprete de todas las obras: José Manuel Ortiz \nConcierto que revive la obra de Carlos Amable Ortiz con piano y danza del Ecuador del siglo XX.
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SUMMARY:(Documental) La música de Carlos Amable Ortiz - Bailes de Salón en el Ecuador del siglo XX
DESCRIPTION:El ingreso es libre\, pero deberá descargar sus boletos para asegurar el ingreso. \nProyección documental\n“Soñarse Muerto”** \nComo antesala al lanzamiento del álbum “La música de Carlos Amable Ortiz: Bailes de salón del Ecuador del siglo XX”\, se presenta la proyección del documental “Soñarse Muerto” (2012)\, dirigido por la cineasta Micaela Rueda. \nLa obra explora el proceso de investigación y recuperación de las partituras del compositor Carlos Amable Ortiz\, así como su vida\, su legado y las memorias compartidas entre familiares\, músicos e investigadores que han contribuido a revalorizar su obra. A través de testimonios y reflexiones\, el documental abre una mirada íntima hacia la reconstrucción de una parte fundamental de la historia musical ecuatoriana. \nAl finalizar la proyección\, se desarrollará un espacio de diálogo con el público asistente\, generando un encuentro cercano en torno a la memoria\, la música y el patrimonio cultural. \nEsta actividad propone un contexto histórico y emocional que enriquece la experiencia del concierto\, invitando a descubrir las raíces y el significado profundo de la obra de Carlos Amable Ortiz. \nDocumental sobre la vida y obra de Carlos Amable Ortiz\, con diálogo posterior al público.
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SUMMARY:Festival Inédito. Coreografía Nueva IX Edición: “Lo que el cuerpo nombra”
DESCRIPTION:Después de su compra no se aceptan compras y/o devoluciones.  \nINÉDITO regresa como un espacio para pensar la danza más allá del movimiento: como lenguaje\, como discurso y como una forma de habitar el mundo. Esta edición propone reflexionar sobre el lugar de la danza ecuatoriana\, sus inquietudes y la necesidad de nombrarla desde su propia voz. Una invitación a reconocerla como un acto de pensamiento\, identidad y presencia\, con una forma única de decir y de hacer. \nEl Teatro Variedades Ernesto Albán será el escenario donde seis propuestas coreográficas en formato corto tomarán vida\, como resultado del proceso creativo del Festival Inédito. Cada obra abre una ventana a distintas miradas\, sensibilidades y cuestionamientos sobre el cuerpo y su relación con el entorno. \nEn escena\nRonal Medina Orobio con Silencio a vocesColectivo Cuerpo a Cuerpos con Inventario de emocionesNayla Peñaherrera con Abrázame un ratoDamaris Coque con El abuso de poderEmily Pozo y Jhon Tigse con El día que el cuerpo cuestionóArianna Hidalgo Rodas con Sepia \nUna noche para descubrir cómo la danza ecuatoriana se piensa\, se nombra y se proyecta hacia el mundo. \nINÉDITO presenta seis obras que exploran la danza ecuatoriana como identidad y pensamiento.
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SUMMARY:Estreno Obra de Teatro Avenida Puente
DESCRIPTION:Después de su compra no se aceptan cambios y/o devoluciones.  \nSinopsis\nUna mujer está al borde. Rita se alza sobre un puente al final de una avenida infinita\, suspendida entre el salto y la palabra. Nadie entiende lo que dice. Nadie parece realmente escuchar. Mientras tanto\, Rosso pedalea hacia ella con una intención incierta: ¿rescatarla o traducirla? \nDesde ese punto de quiebre\, seis mujeres atraviesan la escena como ecos de un país que se desvanece. “Avenida-Puente” es un retrato fragmentado de una realidad donde la indiferencia se vuelve norma y la violencia se instala en silencio. \nEn medio de la neblina\, el puente deja de ser solo un lugar: es símbolo. ¿Huida o regreso? ¿Caída o vuelo? \nUna obra intensa\, cruda e irónica. Un estallido emocional que se ríe en el vacío mientras todo parece desmoronarse. \nFicha técnica\n\nDirección y puesta en escena: María Elena López\nAutor: Roberto Sánchez Cazar\nActuación: Irene Villacrés\, Jessica Barros\, María Elena López y Roberto Sánchez\nEscenografía y vestuario: María Elena López\nIluminación: Roberto Sánchez\nVideo y sonido: Jessica Barros\n\nUna producción del Teatro Ojo de Agua \nRita desafía el vacío en un puente mientras un país se desvanece entre indiferencia y violencia.
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SUMMARY:MUNN en el Variedades
DESCRIPTION:Después de la compra no se aceptan cambios y/o devoluciones.  \nMUNN es una de las agrupaciones más innovadoras de la escena musical ecuatoriana. Su propuesta destaca por una constante evolución sonora\, una identidad vocal inconfundible y letras reflexivas que dialogan con el presente desde la sensibilidad y la profundidad. \nCon más de 15 años de trayectoria\, giras internacionales y presentaciones en los festivales más importantes del país\, MUNN ha consolidado un proyecto artístico con raíces sólidas y una permanente búsqueda de crecimiento y transformación. Sus colaboraciones con artistas visuales y audiovisuales amplían la experiencia en vivo\, convirtiendo cada concierto en un encuentro inmersivo. \nSé parte de una noche donde la música se transforma y nos transforma. \n– \n📄 Esta obra fue seleccionada dentro de la convocatoria pública de Coproducciones de la Fundación Teatro Nacional Sucre. Más información aquí.\n– \nEste evento cuenta con los siguientes descuentos del 50 %\, los cuales podrán hacerse efectivos únicamente en la boletería del teatro\, previa presentación del documento habilitante:\n♿ Personas con discapacidad🧓 Tercera edad\nMUNN: 15 años de evolución sonora\, letras profundas y fuerza en escena.
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SUMMARY:Ópera para dos
DESCRIPTION:Después de la compra no se aceptan cambios y/o devoluciones. \nLa Escuela Lírica de la Fundación Teatro Nacional Sucre presenta Ópera para dos\, un concierto que reúne algunos de los dúos más intensos y cautivadores del repertorio lírico. En una propuesta poco habitual en nuestras salas\, el programa incluye fragmentos de óperas como Manon Lescaut\, Luisa Miller y Porgy & Bess\, invitando al público quiteño a sumergirse en un viaje sonoro lleno de emoción. \nA través de estas piezas\, el escenario se llena de fuerza\, alegría\, amor y desamor\, explorando nuevas sensaciones musicales en cada encuentro vocal. La interpretación estará a cargo de las voces solistas de María Fernanda Argotti\, Andrea Cóndor y Olmes Nogales\, acompañados al piano por las maestras Zelfa Díaz y Chinatsu Maeda. \nUna velada para dejarse llevar por la intensidad de la ópera y descubrir la potencia del diálogo entre voces. \nÓpera para dos reúne intensos dúos líricos en una velada de emoción\, amor y fuerza musical.
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SUMMARY:Lanzamiento EP "Tinta Bohemia" de Iraíz Oviedo
DESCRIPTION:Después de su compra no se aceptan cambios y/o devolución. \nIraíz Oviedo presenta “Tinta Bohemia”\nLa cantante ecuatoriana Iraíz Oviedo es una de las voces más prometedoras de la música popular del país. Su trayectoria ha estado marcada por la investigación e interpretación del vasto repertorio latinoamericano\, con especial atención a la música urbana del siglo XX: tangos\, valses\, boleros y pasillos que dialogan con la memoria colectiva. \nTras recorrer diversos escenarios del Ecuador y luego de su anterior producción Iraiz y su Mistura\, la artista presenta en 2026 su nuevo disco\, Tinta Bohemia. Esta propuesta nace de un proceso creativo intenso\, en el que cuestiona y reimagina las formas de cantar y narrar la música ecuatoriana. El resultado es un repertorio de canciones inéditas que\, desde ritmos como el bolero con estilo rockolero\, el albazo\, el vals y el yaraví\, renueva los discursos tradicionales sobre el amor\, la salud mental y la identidad. \nEl concierto es más que una presentación musical: es un viaje sensible a través de paisajes sonoros latinoamericanos y ecuatorianos.\n\nUna experiencia que va más allá del concierto para convertirse en encuentro y resonancia colectiva.\n– \n📄 Esta obra fue seleccionada dentro de la convocatoria pública de Coproducciones de la Fundación Teatro Nacional Sucre. Más información aquí.\n– \nEste evento cuenta con los siguientes descuentos del 50 %\, los cuales podrán hacerse efectivos únicamente en la boletería del teatro\, previa presentación del documento habilitante:\n♿ Personas con discapacidad\n🧓 Tercera edad
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SUMMARY:Concierto Lanzamiento EP "Llacta" Daniel Pacheco
DESCRIPTION:Después de la compra no se aceptan cambios y/o devoluciones. \nEscucha acá a Daniel. \nEl EP Llacta propone un viaje sonoro que entrelaza lo ancestral con lo contemporáneo. A través de cuatro composiciones originales de Daniel Pacheco\, el proyecto reinterpreta géneros tradicionales ecuatorianos con arreglos actuales y matices del jazz contemporáneo\, creando un diálogo vibrante entre memoria e innovación. Grabado en el Teatro Sucre\, el EP forma parte de un proceso artístico respaldado por los fondos públicos IFAIC. \nDaniel Pacheco es un músico ecuatoriano cuya propuesta se centra en la fusión entre tradición y contemporaneidad. Pianista\, acordeonista y bajista\, explora los sonidos de la música ecuatoriana desde una perspectiva actual\, integrando lenguajes del jazz y la música global. Ha participado en diversos proyectos artísticos como intérprete\, arreglista y productor\, consolidando una propuesta que dialoga entre lo ancestral y lo moderno. \nLa propuesta revaloriza nuestras raíces musicales y las proyecta hacia nuevas audiencias\, ofreciendo una mirada fresca\, vibrante y actual de la identidad cultural ecuatoriana. \nLlacta: tradición ecuatoriana y jazz contemporáneo en diálogo vibrante desde sus raíces actuales.
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SUMMARY:Canticles & Lachrymae. El sonido como plegaria (segunda función) - Vox Nuvo
DESCRIPTION:El acceso a este concierto es libre\, recomendamos llegar temprano al espacio. \nLos sonidos trascienden en la vigésima cuarta edición del Festival Internacional de Música Sacra de Quito (Fimusaq). Vive experiencias increíbles en espacios icónicos de la ciudad del 20 al 31 de marzo. \nEl ensamble Vox Nuvo presenta “Canticles & Lachrymae: el sonido como plegaria”\, un programa que explora la dimensión espiritual de la música a través de obras de Benjamin Britten y John Dowland. La propuesta recorre distintas formas de lo sagrado\, donde el canto\, el lamento y la contemplación se entrelazan como expresiones de una misma búsqueda interior. \nEl recorrido inicia con Canticle I – My Beloved is Mine (1947)\, inspirado en el Cantar de los Cantares\, donde la voz se eleva como celebración del amor divino. Luego aparece la canción If my complaints could passions move (1597) de Dowland\, que introduce el lamento humano y el amor que\, en su fragilidad\, se transforma en plegaria. \nA partir de ese canto renacentista\, Britten compone Lachrymae (1950) para viola y piano\, una obra elegíaca que transforma el dolor en contemplación sonora. El programa concluye con Canticle II – Abraham and Isaac (1952)\, donde la historia bíblica del sacrificio se convierte en una reflexión musical sobre la fe\, la compasión y la reconciliación. \nEn este concierto\, Vox Nuvo propone un viaje sonoro donde distintas épocas dialogan entre sí\, revelando cómo la música puede trascender el tiempo y las culturas para convertirse en un lenguaje espiritual siempre vivo. \nVox Nuvo presenta obras de Britten y Dowland en un programa donde la música se vuelve plegaria.
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SUMMARY:Sisari (segunda función) - Alex Paza
DESCRIPTION:El acceso a este concierto es libre\, recomendamos llegar temprano al espacio. \nLos sonidos trascienden en la vigésima cuarta edición del Festival Internacional de Música Sacra de Quito (Fimusaq). Vive experiencias increíbles en espacios icónicos de la ciudad del 20 al 31 de marzo. \nConcierto escénico de investigación-creación (55 min) que explora la manifestación de la Siquis Puruhá\, entendida como la conciencia del universo\, a través de la tradición sonora kichwa. La propuesta presenta el estreno de Sisari\, obra galardonada en el PIM VII 2025 de SAYCE\, desde la estética del Andean Fusion. Interpretada por un ensamble de siete artistas (seis músicos y un danzante)\, la puesta ofrece una experiencia escénica que integra filosofía ancestral y rigor etnomusical para profundizar en la tradición sonora ecuatoriana. \n– \nDos investigaciones verán la luz en esta edición del festival.\n\n\nLa Fundación InConcerto presentará una investigación musical basada en partituras históricas pertenecientes al archivo del Monasterio\, cuya comunidad ha sido clave en la preservación de este patrimonio; dentro del marco del proyecto Un Viaje Interior —una iniciativa del Museo Casa del Alabado en colaboración con el Monasterio de Santa Clara de Quito. Por su parte\, Alex Paza presentará el proyecto SISARI.\nConcierto escénico que explora la Siquis Puruhá desde la tradición sonora kichwa y el Andean Fusion.
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SUMMARY:Conversatorio con Alex Paza
DESCRIPTION:Este evento es de acceso libre\, pero necesitará inscripción para el ingreso.  \nLos sonidos trascienden en la vigésima cuarta edición del Festival Internacional de Música Sacra de Quito (Fimusaq). Vive experiencias increíbles en espacios icónicos de la ciudad del 20 al 31 de marzo. \n📑Inscríbete acá.\nAlex Paza tendrá un conversatorio con la comunidad artística del país y esta se desarrollará en la Teatro Variedades.  \nSobre el concierto de Alex\nConcierto escénico de investigación-creación (55 min) que explora la manifestación de la Siquis Puruhá\, entendida como la conciencia del universo\, a través de la tradición sonora kichwa. La propuesta presenta el estreno de Sisari\, obra galardonada en el PIM VII 2025 de SAYCE\, desde la estética del Andean Fusion. Interpretada por un ensamble de siete artistas (seis músicos y un danzante)\, la puesta ofrece una experiencia escénica que integra filosofía ancestral y rigor etnomusical para profundizar en la tradición sonora ecuatoriana. \nAlex Paza presenta un conversatorio en torno a su concierto/investigación en el Fimusaq 2026.
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SUMMARY:Sucre para Guaguas: Margarita y el Mar (segunda función)
DESCRIPTION:Después de la compra no se aceptan cambios y/o devolución. \nMargarita y el mar es una experiencia escénica que invita a niñas\, niños y familias a sumergirse en un universo onírico donde la imaginación se convierte en refugio y transformación. Inspirada en el poema “A Margarita Debayle” de Rubén Darío \, la obra entrelaza teatro físico\, miniaturas\, sombras\, dibujo\, video y proyecciones para construir un mundo fantástico que acompaña el viaje emocional de una niña de 10 años. \nA través de una estética visual poética y profundamente sensorial\, la puesta en escena explora la magia\, el duelo\, el amor y la resiliencia desde la mirada luminosa de la infancia. La obra reflexiona sobre la capacidad de encontrar luz en medio de la pérdida y celebrar los vínculos que trascienden el tiempo y la muerte. \nEl trabajo escénico se desarrolla bajo la metodología de Jacques Lecoq \, tomando como base el concepto del “fondo poético común” para generar emoción y dar vida al universo imaginario de Margarita. Además\, el proceso creativo ha incorporado herramientas de Design Thinking desde 2022\, permitiendo que el montaje evolucione a través de prototipos y distintas etapas de producción. \nLa obra es una creación de Enredo Teatro \, colectivo de mujeres artistas que impulsa producciones teatrales y audiovisuales con enfoque artístico y social. Con un equipo especializado en comunicación y alianzas en diseño gráfico y producción audiovisual\, la compañía apuesta por generar experiencias escénicas que abran conversaciones y se conecten profundamente con el público. \nUna invitación a soñar\, recordar y abrazar la fuerza transformadora de la imaginación. \n– \nEste evento cuenta con los siguientes descuentos del 50 %\, los cuales podrán hacerse efectivos únicamente en la boletería del teatro\, previa presentación del documento habilitante:\n🎭 Niños/as \n♿ Personas con discapacidad \n🧓 Tercera edad\n– \n📄 Esta obra fue seleccionada dentro de la convocatoria pública de Coproducciones de la Fundación Teatro Nacional Sucre. Más información aquí.
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SUMMARY:Sucre para Guaguas: Margarita y el Mar (primera función)
DESCRIPTION:Después de la compra no se aceptan cambios y/o devolución. \nMargarita y el mar es una experiencia escénica que invita a niñas\, niños y familias a sumergirse en un universo onírico donde la imaginación se convierte en refugio y transformación. Inspirada en el poema “A Margarita Debayle” de Rubén Darío\, la obra entrelaza teatro físico\, miniaturas\, sombras\, dibujo\, video y proyecciones para construir un mundo fantástico que acompaña el viaje emocional de una niña de 10 años. \nA través de una estética visual poética y profundamente sensorial\, la puesta en escena explora la magia\, el duelo\, el amor y la resiliencia desde la mirada luminosa de la infancia. La obra reflexiona sobre la capacidad de encontrar luz en medio de la pérdida y celebrar los vínculos que trascienden el tiempo y la muerte. \nEl trabajo escénico se desarrolla bajo la metodología de Jacques Lecoq\, tomando como base el concepto del “fondo poético común” para generar emoción y dar vida al universo imaginario de Margarita. Además\, el proceso creativo ha incorporado herramientas de Design Thinking desde 2022\, permitiendo que el montaje evolucione a través de prototipos y distintas etapas de producción. \nLa obra es una creación de Enredo Teatro\, colectivo de mujeres artistas que impulsa producciones teatrales y audiovisuales con enfoque artístico y social. Con un equipo especializado en comunicación y alianzas en diseño gráfico y producción audiovisual\, la compañía apuesta por generar experiencias escénicas que abran conversaciones y conecten profundamente con el público. \nUna invitación a soñar\, recordar y abrazar la fuerza transformadora de la imaginación. \n– \nEste evento cuenta con los siguientes descuentos del 50 %\, los cuales podrán hacerse efectivos únicamente en la boletería del teatro\, previa presentación del documento habilitante:\n🎭 Niños/as\n♿ Personas con discapacidad\n🧓 Tercera edad\n– \n📄 Esta obra fue seleccionada dentro de la convocatoria pública de Coproducciones de la Fundación Teatro Nacional Sucre. Más información aquí.
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SUMMARY:Obra "De medio en medio"
DESCRIPTION:Evento de acceso libre\, pero deberás descargar tus pases para ingresar. \nEn el marco de sus 20 años de trayectoria\, la creadora\, bailarina y artista multidisciplinaria Valeria Andrade presenta una nueva adaptación de “De medio en medio”\, obra estrenada en 2005 que hoy regresa a escena desde una mirada renovada. \nEsta puesta en escena reimagina el repertorio y el cuerpo como archivo vivo\, revisitando preocupaciones\, ideas y memorias que se actualizan con el paso del tiempo. Desde un lente de género\, la obra atraviesa las transformaciones de la menopausia y dialoga con la experiencia de un cuerpo cincuentón que se reconoce cambiante\, político y potente. \nLa propuesta articula arte\, memoria y cuerpo desde una perspectiva feminista y comunitaria\, situando la menopausia como territorio político y espacio de reflexión. A través de la creación colectiva\, la investigación corporal y la intervención de los espacios\, el proyecto se convierte en una herramienta de transformación social que invita al público a mirar el cuerpo como un territorio de resistencia\, memoria y futuro. \nReimagina “De medio en medio” desde memoria\, cuerpo y menopausia como territorio político.
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SUMMARY:8M | Lecturas Dramáticas 2026: Reminiscencia y otras formas de permanecer a tiempo
DESCRIPTION:Este evento es de acceso libre y no necesita de descarga de pases para su ingreso. \nEn el Festival de Artes Escénicas Fiesta Escénica de Quito 2025\, la residencia de dramaturgia fue un espacio de exploración y creación teatral. Los dramaturgos desarrollaron obras inéditas\, que se presentarán este mes en lecturas dramáticas\, donde el público podrá apreciar la esencia de los textos antes de su puesta en escena. Estas lecturas fomentan el diálogo entre autores\, actores y espectadores\, ofreciendo una mirada al proceso creativo del teatro. \nEste evento es parte de la franja programática del 8M. \nSinopsis\n\n\n\n\n\n\n\n\nLa mujer del destino incierto. El viaje sin fin. La travesía inoportuna. La niña que sueña con volver. El hombre que promete reparar lo irreparable. \n¿Qué puerta desearías no haber abierto nunca? \nReminiscencia se despliega como una sesión de terapia que empuja a Caper hacia su mayor pesadilla: descubrir quién asesinó a su madre. Desde ese punto de quiebre\, la obra la conduce a una casa estremecida por turbulencias constantes\, un espacio donde los recuerdos crujen y cada habitación es un umbral hacia lo desconocido. \nConvencida de ser el resultado de una maldición heredada\, Caper atraviesa los rincones más inexplorados de su inconsciente. La memoria se vuelve arquitectura: pasillos que se repiten\, puertas que conducen a versiones fragmentadas de la verdad\, ecos que no le pertenecen del todo. \nReminiscencia es una construcción escénica que se edifica en el tiempo y lucha por sostenerse en la inestabilidad de un recuerdo ajeno. Un viaje psicológico y sensorial donde pasado y presente colisionan\, y donde la pregunta persiste como un latido: ¿podrá Caper escapar de su destino o está condenada a habitarlo? \n\n\n\n\n\n\n\n\nSobre Milagros Freire\n\n\n\n\n\n\n\n\nMilagros Freire es dramaturga y actriz. Inició su trayectoria autoral de manera paralela a su ingreso en la carrera de Creación Teatral de la Universidad de las Artes (Guayaquil)\, donde actualmente cursa el séptimo nivel. \nComo actriz\, ha participado en Improvisación del Sánchez (2022)\, en el doblaje de animación The Tapuy Around The World (2022)\, en la obra High School Musical: El Musical (2023) y en Bienvenidx a Casa (2024). Con su obra Atemporal —anteriormente titulada Más Allá del Tiempo— obtuvo una Mención de Honor en el Concurso de Dramaturgia de la Universidad de las Artes en 2024. Ese mismo año formó parte del cortometraje Carla\, Carolina y Karen (2024). \n\n\n\n\n\n\n\n\n\nResidencia de dramaturgia 2025 presenta lecturas inéditas por el 8M en Quito.
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SUMMARY:8M | Lecturas Dramáticas 2026: Gloria
DESCRIPTION:Este evento es de acceso libre y no necesita de descarga de pases para su ingreso. \nEn el Festival de Artes Escénicas Fiesta Escénica de Quito 2025\, la residencia de dramaturgia fue un espacio de exploración y creación teatral. Los dramaturgos desarrollaron obras inéditas\, que se presentarán este mes en lecturas dramáticas\, donde el público podrá apreciar la esencia de los textos antes de su puesta en escena. Estas lecturas fomentan el diálogo entre autores\, actores y espectadores\, ofreciendo una mirada al proceso creativo del teatro. \nEste evento es parte de la franja programática del 8M. \nSinopsis\nGLORIA es una obra híbrida de teatro y cine donde el proceso creativo se convierte en experimento y el amor\, en campo de prueba. Isla y Yon\, un matrimonio de cineastas\, permanecen encerrados en un laboratorio de cristal bajo la vigilancia de múltiples voces científicas\, mientras una película se escribe en tiempo real frente a nuestros ojos. \nA medida que el encierro se prolonga\, las fronteras entre ficción y realidad se erosionan. Lo íntimo se vuelve material de estudio; la creación\, un dispositivo de control. En ese espacio aséptico y expuesto\, emerge una pregunta crucial: ¿es posible amar y crear sin destruirse o sublimarse? \nCuando el sistema colapsa\, otra herida se abre con fuerza: ¿quién tiene derecho a narrar el dolor? ¿Quién decide desde dónde se mira? \nGLORIA indaga en la autoría compartida\, la mirada como ejercicio de poder y los límites éticos de convertir la vida en obra. Una pieza que sitúa la creación en un territorio de riesgo\, donde la intimidad se tensiona entre el experimento y el espectáculo. \nSobre Jessica Vinueza Crespo\nJessica Vinueza es dramaturga\, directora creativa y productora audiovisual con más de diez años de trayectoria en proyectos escénicos\, visuales y narrativos que articulan arte\, cuerpo\, tecnología e identidad\, integrando lenguajes del teatro\, el cine y el videomapping. \nEs autora y directora de Los Besos de Thánatos (2022)\, obra ganadora de la convocatoria Sol de Noviembre – Ambato\, y creadora de Furias\, encuentro audiovisual de mujeres enfocado en la visibilidad\, la formación y la producción de videoclips en Ecuador. Ha liderado campañas publicitarias\, cortometrajes y eventos culturales como ACA: Arte Contemporáneo Ambato y Circuito de Arte y Memoria. Es fundadora de EPPICA\, Escuela Popular de Producción\, Investigación y Creación Artística\, espacio desde el que ha formado a más de 500 estudiantes en arte\, cine y tecnología. \nEntre sus proyectos destacados se encuentra LAVVAD (Laboratorio de Artes Visuales Videomapping Análogo y Digital)\, desarrollado junto al Centro de Adolescentes Infractores de Ambato y reconocido por el Ministerio de Cultura del Ecuador y la UNAE. Se graduó como directora y actriz en Artes Escénicas en el Centro de Investigación Cinematográfica (CIC\, Buenos Aires) y ha complementado su formación en dramaturgia\, gestión cultural y creación escénica en instituciones como la Universidad de las Artes\, la Universidad Andina Simón Bolívar\, el Ministerio de Cultura y la Embajada de España. Ha publicado en Revista Mundana (Amor político\, 2025) y en Diario La Hora (2022). \nPostula a la Residencia FTNS con Laboratorio de Sueño\, una obra que propone un experimento de telepatía en el que una pareja es confinada. Desde ese encierro\, la pieza indaga en la intimidad\, la exposición\, la ética y la tecnología desde una perspectiva poética\, crítica e interdisciplinaria. Se trata de una dramaturgia contemporánea que dialoga con el presente desde un futuro próximo\, cuestionando los vínculos que habitamos y el deseo de saberlo todo sobre el otro. \nResidencia de dramaturgia 2025 presenta lecturas inéditas por el 8M en Quito.
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SUMMARY:8M | Lecturas Dramáticas 2026: Good Girl
DESCRIPTION:Este evento es de acceso libre y no necesita de descarga de pases para su ingreso. \nEn el Festival de Artes Escénicas Fiesta Escénica de Quito 2025\, la residencia de dramaturgia fue un espacio de exploración y creación teatral. Los dramaturgos desarrollaron obras inéditas\, que se presentarán este mes en lecturas dramáticas\, donde el público podrá apreciar la esencia de los textos antes de su puesta en escena. Estas lecturas fomentan el diálogo entre autores\, actores y espectadores\, ofreciendo una mirada al proceso creativo del teatro. \nEste evento es parte de la franja programática del 8M. \nSinopsis\nLola espera el bus a las 6 de la mañana. Acaba de pasar la noche con el gringo que\, una vez más\, la ha tratado como producto nacional barato que consume cuando no encuentra lo que quiere. Lola llora\, grita y patalea porque aunque ella quiere todo con él\, él no quiere nada con ella. Sube al bus y\, con el corazón roto\, se mueve por la ciudad tratando de encontrar la forma de parar. \nSobre Sharon Olazaval\nDramaturga y directora peruano-ecuatoriana. Se formó en el Laboratorio de Teatro Malayerba (Ecuador)\, en la Universidad Nacional de Córdoba (Argentina)\, donde obtuvo la Licenciatura en Cine y TV\, y en la Universidad Internacional de La Rioja (España)\, donde cursó un Máster en Creación de Guiones Audiovisuales. \nHa escrito y dirigido la obra de microteatro Puerperio (Ecuador\, 2022) y la obra de teatro en la ciudad Alicia a través del olvido (Ecuador\, 2022)\, creada junto a Sofía Calderón y André Carreira en el marco de la Residencia de Creación Artística del Festival Internacional de Artes Vivas de Loja. En 2023 estrenó Antonia y Berenice han muerto (Ecuador)\, obra que obtuvo en 2024 el Fondo de Circulación Nacional de Obras de Artes Escénicas del IFCI y fue ganadora del concurso público Pichincha en Libros del Núcleo Pichincha de la CCE\, que publicó el texto en su categoría de Dramaturgia. \nEn el ámbito editorial\, ha escrito para la revista digital Recodo.sx (Ecuador) en 2018\, para el equipo de prensa del Festival Cortos de Vista (Perú) en 2020 y 2021\, y es colaboradora permanente de la revista de artes escénicas El Apuntador desde 2023. \nResidencia de dramaturgia 2025 presenta lecturas inéditas por el 8M en Quito.
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SUMMARY:8M | Lecturas Dramáticas 2026: Un reino sin persona(jes). Cuadros de una barbarie organizada
DESCRIPTION:Este evento es de acceso libre y no necesita de descarga de pases para su ingreso. \nEn el Festival de Artes Escénicas Fiesta Escénica de Quito 2025\, la residencia de dramaturgia fue un espacio de exploración y creación teatral. Los dramaturgos desarrollaron obras inéditas\, que se presentarán este mes en lecturas dramáticas\, donde el público podrá apreciar la esencia de los textos antes de su puesta en escena. Estas lecturas fomentan el diálogo entre autores\, actores y espectadores\, ofreciendo una mirada al proceso creativo del teatro. \nEste evento es parte de la franja programática del 8M. \nSinopsis\nUN REINO SIN PERSONA(JES) es una ficción grotesca y perturbadoramente cercana —demasiado cercana— sobre masacres burocráticas\, el ascenso del totalitarismo y la militarización de la vida cotidiana. En un mundo donde el sistema se impone como única lógica posible\, la humanidad comienza a resquebrajarse hasta volverse sospechosa. \nAquí\, la violencia no solo habita en los grandes discursos de poder\, sino en lo mínimo: en la prohibición implícita de reír después de una partida de cuarenta\, en la sospecha de pasear sin rumbo\, en la amenaza que representa un abrazo. El control se infiltra en lo íntimo\, coloniza el afecto y despoja a los cuerpos de su derecho a sentir. \nCon humor ácido y una crudeza que incomoda\, la obra expone un sistema fallido que convierte la ternura en delito y la empatía en debilidad. Una puesta en escena que interpela al presente y nos obliga a preguntarnos cuánto estamos dispuestos a perder —y a ceder— antes de olvidar lo que nos hace humanos. \nSobre Jolaho Crespo\nEgresado de la carrera de Artes Escénicas de la UCE\, con especialización en Dirección y Dramaturgia. Ha presentado trabajos académicos en distintos espacios\, entre ellos la obra AUSENCIA (gestor\, codirector y codramaturgo)\, exhibida en la Muestra de Teatro Universitario 2022 en el marco del FIAVL. Este montaje combina escenas de diversas obras con experiencias personales de sus codirectores\, utilizando la autoficción como herramienta de dramaturgia colectiva. \nParticipó también en 300 Millones como actor y miembro del equipo de dramaturgismo\, obra de egreso de la tercera generación que propone una reescritura y contextualización del texto de Roberto Arlt en el Ecuador contemporáneo. \nActualmente desarrolla su proyecto artístico de titulación\, Creación de dramaturgias a partir de las experiencias diversas de las masculinidades (director y dramaturgo)\, una propuesta que articula procedimientos de escritura de referentes como Vivi Tellas\, Sanchis Sinisterra\, Mauricio Kartun y Javier Daulte\, con preguntas personales sobre la construcción de las masculinidades dentro del colectivo de trabajo. \nResidencia de dramaturgia 2025 presenta lecturas inéditas por el 8M en Quito.
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SUMMARY:8M | Lecturas Dramáticas 2026: La noche de las luciérnagas
DESCRIPTION:Este evento es de acceso libre y no necesita de descarga de pases para su ingreso. \nEn el Festival de Artes Escénicas Fiesta Escénica de Quito 2025\, la residencia de dramaturgia fue un espacio de exploración y creación teatral. Los dramaturgos desarrollaron obras inéditas\, que se presentarán este mes en lecturas dramáticas\, donde el público podrá apreciar la esencia de los textos antes de su puesta en escena. Estas lecturas fomentan el diálogo entre autores\, actores y espectadores\, ofreciendo una mirada al proceso creativo del teatro. \nEste evento es parte de la franja programática del 8M. \nSinopsis\nEn una casa cargada de recuerdos\, Él y Ella esperan. Afuera —o quizá adentro— el tiempo se descompone: la realidad se vuelve incierta y la frontera entre la vida y la muerte comienza a diluirse. \nEntre el olor persistente a cítrico y el murmullo lejano del mar\, emergen memorias que desnudan capas ocultas de los personajes. Cada recuerdo es una grieta; cada silencio\, una revelación. Lo que parecía estático se transforma en un territorio frágil donde el pasado respira y el presente se tambalea. \nEn medio de esa suspensión\, reaparece una noción olvidada: la posibilidad de vivir. Una obra íntima y sensorial sobre la espera\, la memoria y el instante en que decidir seguir existiendo se convierte en un acto de resistencia. \nSobre Alegría Chiriboga\nSe formó en la escuela profesional de teatro La Compagnie Maritime\, en Montpellier\, Francia (2014–2017). En paralelo\, integró el colectivo Sèzame\, con el que creó espectáculos semanales en espacios no convencionales como calles y bares\, y realizó dos giras por el sur de Francia: la primera con obras de Jean Giraudoux (2016) y la segunda con la creación original Et surtout n’oubliez pas de tomber amoureux (2017). \nEn 2018 cofundó el colectivo Cara Sur. Junto a Camille Lemarchand escribió y estrenó la obra 9413\, là où les jours ne sont plus aussi longs que les nuits\, presentada en el festival Festin de Pierres y en distintas salas de Montpellier y Toulouse. Durante su estadía en Francia\, también participó con pequeños roles en las series televisivas Un si grand soleil y Demain nous appartient. \nRegresó a Ecuador en 2020 y\, ante la escasa actividad cultural provocada por la pandemia\, se volcó a la escritura\, dando origen a La Noche de las Luciérnagas\, su obra más personal hasta la fecha. En 2022 integró el elenco de Antígona Sudaxa\, de María Beatriz Vergara\, coproducida con el Teatro Sucre\, ganadora de fondos IFCI para el FIAVL y seleccionada para el Festival Mujeres en Escena por la Paz en Bogotá. \nEn 2024 obtuvo una Tecnología Universitaria en Dirección y Actuación de Cine en INCINE. Ese mismo año actuó en el cortometraje Sobre el lago\, la montaña\, de Carmen Rivadeneira\, ganador de fondos de la Film und Medienstiftung NRW. Desde 2022 se desempeña como actriz y pedagoga en Neurotraining Lab\, proyecto de liderazgo y neurociencias de la USFQ. Actualmente desarrolla talleres de teatro en francés como complemento a la propuesta pedagógica de la Alianza Francesa de Quito. \nResidencia de dramaturgia 2025 presenta lecturas inéditas por el 8M en Quito.
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SUMMARY:8M | Lecturas Dramáticas 2026: Wambritas del Yanuncay
DESCRIPTION:Este evento es de acceso libre y no necesita de descarga de pases para su ingreso. \nEn el Festival de Artes Escénicas Fiesta Escénica de Quito 2025\, la residencia de dramaturgia fue un espacio de exploración y creación teatral. Los dramaturgos desarrollaron obras inéditas\, que se presentarán este mes en lecturas dramáticas\, donde el público podrá apreciar la esencia de los textos antes de su puesta en escena. Estas lecturas fomentan el diálogo entre autores\, actores y espectadores\, ofreciendo una mirada al proceso creativo del teatro. \nEste evento es parte de la franja programática del 8M. \nSinopsis\n«Mar es un mundo congelado en el tiempo». \nEntre la raíz de un viejo eucalipto y la corriente del Yanuncay\, emerge la historia de tres mujeres atravesadas por la herida de nacer y partir. Mar —baba salvaje que golpea la orilla— encarna la memoria\, el desarraigo y la rabia contenida de un país que migra. Mami es fiebre y ausencia; Abuelita\, agua fría que intenta apaciguar el incendio\, porque antes de ser agua fuimos fuego. \nShuk\, ishkay\, kimsa. Tres generaciones\, tres ojos de agua que brotan desde la cicatriz de un antiguo volcán. En un territorio donde el verbo partir marca el destino\, estas mujeres reclaman su derecho a fluir\, a nombrarse\, a convertirse en río y en mar. \nEsta obra es un viaje poético por la memoria familiar y la identidad ecuatoriana: una exploración sensible sobre la migración\, la herencia y la fuerza femenina que resiste al olvido. «Mar es agua de páramo\, Mar es tu nieta\, abuelita». \nSobre Tamara Guiñansaca\nEs artista escénica\, dramaturga y vestuarista originaria de Cuenca. Su trabajo se sitúa en el cruce entre teatro\, danza e indumentaria\, desde una mirada enraizada en la cosmoexistencia andina y en la dimensión política del afecto. Es licenciada en Creación Teatral\, con itinerario en Dramaturgia Visual por la Universidad de las Artes\, y actualmente cursa la Maestría en Estudios de la Cultura en la Universidad Andina Simón Bolívar\, donde investiga las memorias del exilio y la migración forzada desde una práctica artística situada y decolonial. \nSu obra se despliega como un archivo vivo de cuerpos marcados por el desarraigo y por genealogías femeninas fracturadas. A través de una escritura sensorial y testimonial\, convierte la escena en un territorio donde lo íntimo deviene político\, y donde el gesto\, la voz y la materia dialogan con la historia de los pueblos y con las experiencias de mujeres migrantes. \nHa participado como actriz\, directora y vestuarista en diversos procesos de creación colectiva\, y ha consolidado una línea estética que entrelaza memorias textiles y dramaturgia corporal. Es fundadora del colectivo Runa Teatro y de Estudio LaTam\, taller que integra costura\, diseño y escenografía. En su práctica escénica\, concibe la dramaturgia como una forma de investigación artística\, explorando las identidades transnacionales de hijas e hijos atravesados por la migración entre Ecuador y Estados Unidos. Su voz emerge desde los márgenes para nombrar lo silenciado: el dolor\, la ternura y la resistencia de quienes han crecido entre fronteras. \n\nEste evento es de acceso libre y no necesita de descarga de pases para su ingreso.\nResidencia de dramaturgia 2025 presenta lecturas inéditas por el 8M en Quito.
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SUMMARY:Todas las veces que te vi morir (segunda función)
DESCRIPTION:Después de la compra del boleto no se aceptan cambios y/o devoluciones. \nEsta obra nace en el marco de la Primera Residencia de Dramaturgia 2024\, con el apoyo de la Fundación Teatro Nacional Sucre\, como una obra comisionada que explora las grietas de la memoria\, la maternidad y la ausencia. \nEntre la soledad y el vacío de una casa habitada por recuerdos guardados en cajas de cartón\, Victoria intenta nombrar lo innombrable. Profesora\, dramaturga\, madre —o todas esas versiones que la atraviesan—\, se enfrenta a la desaparición de su hijo Simón\, reconstruyendo fragmentos\, inventando respuestas\, imaginando un destino posible para aquello que quedó inconcluso. \nLa obra se despliega como un ejercicio íntimo y desgarrador sobre la pérdida\, la culpa y la necesidad de sentido\, donde los roles se desdibujan y los vínculos se fracturan para revelar la fragilidad de lo humano. Un relato que interpela al espectador desde la memoria personal y colectiva\, invitándolo a habitar el silencio y la pregunta. \nFicha técnica\n\nDramaturgia y dirección: Pavel V. Hernández\nActuación: Cristina Marchán\, Diego Cerda\, Diego Luna Zurita\, Daniela Delgado Robalino Asistencia de dirección: Jolaho Crespo Cueva\nProducción: Alejandra Fernandez\nDiseño de luces: Katerina Velásquez\nDiseño de vestuario: Tamara Guiñansaca (LaTam) Diseño sonoro: Elaine Silva Solís Diseño escenográfico: Daniel Mena\nFotografías: Ana Lu Zapata / FTNS\n\nUna madre enfrenta la desaparición de su hijo\, entre memoria\, culpa y ausencia\, en un relato íntimo.
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SUMMARY:Todas las veces que te vi morir (primera función)
DESCRIPTION:Esta obra nace en el marco de la Primera Residencia de Dramaturgia 2024\, con el apoyo de la Fundación Teatro Nacional Sucre\, como una obra comisionada que explora las grietas de la memoria\, la maternidad y la ausencia. \nEntre la soledad y el vacío de una casa habitada por recuerdos guardados en cajas de cartón\, Victoria intenta nombrar lo innombrable. Profesora\, dramaturga\, madre —o todas esas versiones que la atraviesan—\, se enfrenta a la desaparición de su hijo Simón\, reconstruyendo fragmentos\, inventando respuestas\, imaginando un destino posible para aquello que quedó inconcluso. \nLa obra se despliega como un ejercicio íntimo y desgarrador sobre la pérdida\, la culpa y la necesidad de sentido\, donde los roles se desdibujan y los vínculos se fracturan para revelar la fragilidad de lo humano. Un relato que interpela al espectador desde la memoria personal y colectiva\, invitándolo a habitar el silencio y la pregunta. \nFicha técnica\n\nDramaturgia y dirección: Pavel V. Hernández\nActuación: Cristina Marchán\, Diego Cerda\, Diego Luna Zurita\, Daniela Delgado Robalino Asistencia de dirección: Jolaho Crespo Cueva\nProducción: Alejandra Fernandez\nDiseño de luces: Katerina Velásquez\nDiseño de vestuario: Tamara Guiñansaca (LaTam) Diseño sonoro: Elaine Silva Solís Diseño escenográfico: Daniel Mena\nFotografías: Ana Lu Zapata / FTNS\n\nUna madre enfrenta la desaparición de su hijo\, entre memoria\, culpa y ausencia\, en un relato íntimo.
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DESCRIPTION:Después de la compra no se aceptan cambios y/o devoluciones. \nTernura nace de una residencia creativa impulsada por la Fundación Teatro Nacional Sucre\, que brindó al equipo un espacio para explorar\, escribir y ensayar. La obra refleja el compromiso institucional con la investigación escénica contemporánea y la creación de nuevas dramaturgias en el país. \nTernura también es una experiencia escénica construida a partir de fragmentos que van y vienen\, como un partido de tenis entre la memoria y el olvido. A través de mensajes de voz que no saben despedirse\, fotografías familiares hechas cenizas y encuentros imposibles\, la obra explora el vínculo quebrado entre un padre y un hijo: dos extraños que se cruzan sin tocarse\, que avanzan en direcciones opuestas. \nEntre aeropuertos vacíos\, pelotas amarillas que chocan y abrazos que no ocurren\, Ternura indaga en el duelo\, la ausencia y aquello que permanece ardiendo en la memoria. Una puesta íntima y poética que convierte el fuego\, el cuerpo y la palabra en metáforas de la pérdida y del amor que no logra decir adiós. \nTernura explora memoria\, duelo y vínculos rotos entre padre e hijo\, entre mensajes\, fuego y ausencia
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SUMMARY:Ternura
DESCRIPTION:Después de la compra no se aceptan cambios y/o devoluciones. \nTernura nace de una residencia creativa impulsada por la Fundación Teatro Nacional Sucre\, que brindó al equipo un espacio para explorar\, escribir y ensayar. La obra refleja el compromiso institucional con la investigación escénica contemporánea y la creación de nuevas dramaturgias en el país. \nTernura también es una experiencia escénica construida a partir de fragmentos que van y vienen\, como un partido de tenis entre la memoria y el olvido. A través de mensajes de voz que no saben despedirse\, fotografías familiares hechas cenizas y encuentros imposibles\, la obra explora el vínculo quebrado entre un padre y un hijo: dos extraños que se cruzan sin tocarse\, que avanzan en direcciones opuestas. \nEntre aeropuertos vacíos\, pelotas amarillas que chocan y abrazos que no ocurren\, Ternura indaga en el duelo\, la ausencia y aquello que permanece ardiendo en la memoria. Una puesta íntima y poética que convierte el fuego\, el cuerpo y la palabra en metáforas de la pérdida y del amor que no logra decir adiós. \nTernura explora memoria\, duelo y vínculos rotos entre padre e hijo\, entre mensajes\, fuego y ausencia
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CATEGORIES:Teatro
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SUMMARY:Sucre para Guaguas: AQUA (segunda función)
DESCRIPTION:IMPORTANTE: Esta obra es para mayores de 10 años. \nDespués de la compra no se aceptan cambios y/o devoluciones. \nAQUA es una obra escénica del Taller de Práctica Escénica de los estudiantes de la Carrera de Artes Escénicas de la Facultad de Artes de la Universidad Central del Ecuador\, inspirada en Cuentos Mágicos de Edgar Allan García y El llamado de la montaña de Nelson Olmedo. La puesta en escena relata el viaje de dos jóvenes que se aventuran hacia el Ritual de las Flores\, un camino de descubrimiento donde el encuentro con seres fantásticos los guía y acompaña en la búsqueda de su destino. \nEste ritual se convierte en una poderosa metáfora del tránsito de la niñez a la pubertad\, abordado desde una mirada poética y sensible. El montaje es el resultado de un proceso creativo integral\, en el que el elenco ha explorado la actuación y el teatro de objetos como lenguajes complementarios\, fortaleciendo sus habilidades artísticas y expresivas. \nAQUA\, en versión dramatúrgica de Patricio Estrella\, es una propuesta dirigida al público infantil a partir de los 10 años\, que invita a sumergirse en un universo de imaginación\, transformación y crecimiento. \nDos jóvenes viven un viaje fantástico hacia el Ritual de las Flores\, metáfora del paso a la pubertad.
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SUMMARY:Sucre para Guaguas: AQUA (primera función)
DESCRIPTION:IMPORTANTE: Esta obra es para mayores de 10 años. \nDespués de la compra no se aceptan cambios y/o devoluciones. \nAQUA es una obra escénica del Taller de Práctica Escénica de los estudiantes de la Carrera de Artes Escénicas de la Facultad de Artes de la Universidad Central del Ecuador\, inspirada en Cuentos Mágicos de Edgar Allan García y El llamado de la montaña de Nelson Olmedo. La puesta en escena relata el viaje de dos jóvenes que se aventuran hacia el Ritual de las Flores\, un camino de descubrimiento donde el encuentro con seres fantásticos los guía y acompaña en la búsqueda de su destino. \nEste ritual se convierte en una poderosa metáfora del tránsito de la niñez a la pubertad\, abordado desde una mirada poética y sensible. El montaje es el resultado de un proceso creativo integral\, en el que el elenco ha explorado la actuación y el teatro de objetos como lenguajes complementarios\, fortaleciendo sus habilidades artísticas y expresivas. \nAQUA\, en versión dramatúrgica de Patricio Estrella\, es una propuesta dirigida al público infantil a partir de los 10 años\, que invita a sumergirse en un universo de imaginación\, transformación y crecimiento. \nDos jóvenes viven un viaje fantástico hacia el Ritual de las Flores\, metáfora del paso a la pubertad.
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SUMMARY:Navidad de luz en los Andes | Orquesta de Instrumentos Andinos y Jenifer Acuña
DESCRIPTION:Concierto de acceso libre hasta agotar aforo. \n“Navidad de luz en los Andes” es una propuesta artística que celebra la Navidad desde la espiritualidad de los pueblos originarios de la América India\, donde el nacimiento del Niño Jesús se entrelaza con la vida comunitaria y la renovación de la naturaleza. \nA través del canto de quenas\, zampoñas\, charangos\, bombos y voces\, este concierto busca devolver a la Navidad su sentido más profundo: una fiesta de luz\, gratitud y esperanza\, en la que la Tierra entera celebra el milagro de la vida. \nLa propuesta integra la fe cristiana y la espiritualidad andina\, reconociendo que ambos caminos conducen al mismo misterio: un Dios que nace entre nosotros\, humilde\, cercano y en medio de su pueblo. \nRepertorio\n\n\nYaravíYaraví – D.r.a \n\n\nQuieres que juguemos\, niñoBarroco – Fray Agustín de Azkúnaga OFM (1885–1997) – (sin datos) \n\n\nTodos los pastores brincan de alegríaSan Juanito – D.r.a – (sin datos) \n\n\nDesde el alto cieloLento con Albazo – Fray Fernando de Jesús Larrea (1700–1773) / Guillermo (s/d) \n\n\nPuñuy Wawa (Duerme niño)Tonada – Salvador Bustamante Celi (1876–1935) \n\n\nEntre pajitas y heno\, arde o tempranoTonada – D.r.a – (sin datos) \n\n\nTonadita y quenaHuayno bailable – Anónimo tradicional peruano \n\n\nEn primaveraSan Juanito – Anónimo tradicional ecuatoriano \n\n\nNace una ilusiónCumbia colombiana – Óscar Javier Coral D. (1982– ) \n\n\nSumak JesusllaSan Juanito – Anónimo tradicional kichwa cañari \n\n\nEl llorónAlbazo estilo joropo – Tradicional ecuatoriana / Letrista: Anónimo tradicional popular (primer registro atribuido a Luisín\, Los Chilquinites) \n\n\nCholo\, cholito ven aquíHuayno bailable – Anónimo tradicional peruano \n\n\nVamos todos a verBomba del Chota – Compositor: Joseph Hortuño (s/d) / Letrista: Alex Alvear (1962– ) \n\n\nAbrazado de amorTonada – Fray Agustín de Azkúnaga OFM (1885–1997) \n\n\nRecogiendo pajaTonada – Anónimo \n\n\nNo sé\, Niño hermosoSan Juanito – Salvador Bustamante Celi (1876–1935) \n\n\nYa viene el niñitoSan Juanito – Salvador Bustamante Celi (1876–1935) \n\n\nEn brazos de una doncellaSan Juanito – Salvador Bustamante Celi (1876–1935) \n\n\nConcierto que une fe cristiana y espiritualidad andina para celebrar una Navidad de luz y vida.
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LOCATION:Teatro Variedades\, Plaza del Teatro\, Quito\, Pichincha\, Ecuador
CATEGORIES:Música
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