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SUMMARY:FIEQ 2026 | Biritute: el secuestro de la lluvia
DESCRIPTION:El acceso es únicamente con donación.  \nLa Fiesta Escénica de Quito 2026 celebra diez años de consolidar un ecosistema artístico que forma y entretiene a la ciudadanía a través de las artes escénicas\, sus procesos de investigación\, creación y trabajo comunitario. Sigue el hilo de esta edición\, que se desarrollará del 20 de mayo al 14 de junio.  \nLa entrada será mediante donación\, que se receptará en el teatro donde se presentará la obra.\nMateriales para donar: lanas\, agujas\, telas\, hilos\, cuerdas\, pinturas\, goma\, hulas de colores\, platos de colores o vasos reutilizables.\nAdemás\, en el lugar podrán adquirir kits de donación elaborados por vecinos de la zona\, con valores entre $1 y $5.\n\nEI proyecto «Biritute: EI Secuestro de Ia Lluvia»\, desarroIIado por eI Colectivo Atávico\, nace con eI propósito de generar una reflexión crítica sobre Ias tensiones entre Ia tradición ancestral y Ias dinámicas sociales y ambientales contemporáneas.  A través de Ia fusión deI teatro vanguardista y diversas disciplinas\, Ia obra busca explorar Ias problemáticas que afectan a Ios pueblos originarios\, poniendo en primer pIano Ia conexión entre Ia naturaleza y Ias cosmovisiones autóctonas. La pieza se adentra en Ia historia deI monolito de San Biritute\, un símbolo ancestral de Ia provincia de Santa Elena y utiliza Ia dramaturgia escénica para poner en evidencia Ios desafíos que enfrenta eI patrimonio cuIturaI y Ia memoria colectiva de Ias comunidades deI territorio. El Colectivo Atávico realizó una investigación profunda en eI territorio de Sacachún.  \nEsta experiencia les permitió no soIo recopiIar información directa\, sino también establecer un vínculo emocional con eI territorio. La obra constituye una herramienta de visibilización y resistencia cuIturaI\, a más de tener un componente pedagógico\, generando así un proceso de sensibilización y acción en defensa deI patrimonio inmaterial y natural de Ia comunidad.  \n\n\n Sinopsis\n\n\nEn Biritute\, el secuestro de la lluvia\, se muestra la crisis hídrica y social de Sacachún\, una comunidad costera ancestral\, azotada por 60 años de sequía a causa del secuestro del tótem sagrado de San Biritute\, robado por los militares. En pleno 1950\, el pueblo de Sacachún centraba su identidad en el legado patrimonial de las culturas prehispánicas.   \n\n\nEn otras palabras\, Sacachún organizaba su vida y su cultura en torno a San Biritute. Pero\, desde el momento del secuestro\, la realidad local se invirtió y la prosperidad se vio aplacada\, se secaron los pozos\, las parejas dejaron de tener hijos\, la gente migró y no volvió a llover.   \n\n\nLo anterior causó el escándalo del clero de Guayaquil\, y la decisión del Municipio de extirpar a San Biritute a la fuerza\, encerrándolo en un museo. Aun así\, la comunidad de Sacachún continúo luchando incansablemente por recuperar su patrimonio cultural.  \n\n\n¿Qué sucederá ahora? ¿El pueblo de Sacachún recuperará su tótem? ¿La lluvia volverá a caer?  ¿Sacachún recuperará su legado prehispánico?  \n\n\nColectivo Atávico \n\n\nAgrupación escénica que fusiona teatro de vanguardia con disciplinas mixtas. Su trabajo promueve la crítica social y trabaja la ancestralidad en dialogo con la contemporaneidad. Explora temas sociales\, históricos y de actualidad\, buscando generar un impacto y revalorizar diversas formas de conocimiento. Atávico Colectivo Escénico se crea en el año 2023 en la ciudad de Guayaquil. Surge como resultado de la necesidad de explorar las ancestralidades\, la tradición oral y la cultura local (Guayaquil) y nacional (Ecuador). Este colectivo reúne a nueve jóvenes de distintos rincones del país\, estando conformado por dos guayaquileños\, dos duraneñas\, un dauleño\, una manabita\, un esmeraldeño\, dos ambateños\, todos estudiantes de la Universidad de las Artes.   \n\n\nEn 2024 se gesta la idea de su segundo producto escénico\, “Biritute: El secuestro de la lluvia”\, una obra que reúne estratégicamente los intereses personales y colectivos de los integrantes de Atávico. La línea temporal investigativa de Biritute: El secuestro de la lluvia comienza con una investigación in situ\, que se genera junto/gracias a la colaboración y acompañamiento de los comuneros de Sacachún\, una comuna de la provincia de Santa Elena en donde habita el monolito de San Biritute.   \n\n\nGracias a una gestión realizada en colaboración a la Universidad de las Artes\, se logra invitar al director y actor multidisciplinario Matías Belmar\, quien\, a consideración del colectivo\, es el artista y director que mantiene una estética similar a la que los intérpretes y obra requerían.    \n\n\nElenco (es integrada por 9 actores\, actrices\, músicos y acróbatas):  \n\n\n\nMaría de los Ángeles Aspiazu Gonzales – Interprete\nAnthony Fernando Piguave Herrera – Interprete\nJesús Xavier López Otero – Interprete\nMaría de los Ángeles Beltrán Ávila – Interprete\nPatricio Alejandro Borja Centeno – Interprete\nKatherine Nahomi Ramos Robalino – Interprete\nJosefa Isabel Palma Vera – Interprete\nCarlos André Albán Intriago – Interprete\nBryan Israel Calderón Villacis – Interprete» \n\n\n\nMatías Belmar\n\n\nFundador y director de Circulo Artes Escénicas\, se caracteriza por tener una carrera que impulsa espectáculos fusionando: teatro\, circo contemporáneo\, música\, danza\, clown y acrobacia. Su trabajo abarca tanto la creación artística como la formación pedagógica\, desarrollando procesos que integran investigación\, producción y trabajo comunitario\, y convirtiéndose en una figura clave en la expansión y diversificación de las artes escénicas en Ecuador. Como director y creador\, ha liderado obras que han logrado notables y memorables reconocimiento y lo han consolidado como una de las voces más influyentes del teatro y circo contemporáneo ecuatoriano.   \n\nSequía y despojo en Sacachún: el robo de Biritute quiebra su vida y desata lucha colectiva.
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SUMMARY:FIEQ 2026 | En la cancha: dispositivo escénico en el espacio público
DESCRIPTION:Evento de acceso libre en la Plaza el Teatro. \n\nLa Fiesta Escénica de Quito 2026 celebra diez años de consolidar un ecosistema artístico que forma y entretiene a la ciudadanía a través de las artes escénicas\, sus procesos de investigación\, creación y trabajo comunitario. Sigue el hilo de esta edición\, que se desarrollará del 20 de mayo al 14 de junio.  \nSinopsis\n\n\n¿Cómo es el parque de tu barrio? ¿Tiene cancha? ¿Vas allí? ¿Cómo te gustaría que sea? ¿Qué recuerdos tienes cuando eras niño e ibas al parque?   \n\n\nAl colocar la mirada\, el cuerpo y la danza en estos lugares\, encontramos varias conexiones que inician en la infancia. Aquellos lugares de la ciudad y la ruralidad\, de lo urbano y lo popular contienen memorias que son parte de nuestro cotidiano.   \n\n\nLos bailarines conviven y crean la propuesta en la cancha\, proponiendo un dispositivo escénico que establece diálogos entre cuerpo\, espacio y comunidad. Opera en una escucha a doble tiempo\, el pasado y el presente\, de esta manera se hacen vivas las memorias\, así como las arquitecturas\, las sonoridades\, etc. Convoca a los espectadores\, habitantes y transeúntes a vivir esta experiencia escénica en la calle\, para pensar los espacios de disfrute y encuentro. Activando juntos la ciudad como un escenario vivo.   \n\n\nDescripción\n\n\nPropuesta estrenada en la Universidad de las Artes\, Guayaquil\, Febrero 2025 como parte de la Investigación-creación de Maestría en Artes Escénicas realizada por su directora. Y en Abril de 2025 en la ciudad de Cuenca en el Parque de la Madre. También ha sido parte del programa de Difusión de la carrera de Artes Escénicas de la Universidad de Cuenca en varios colegios.   \n\n\nObra de danza contemporánea\, con elementos teatrales y dispositivos relacionales donde el público es invitado a ser parte. La propuesta consiste en instalar una cancha en el espacio público pegando unas cintas en el piso\, que es donde se desarrollará la obra\, este será el espacio que convoca a los espectadores\, habitantes y transeúntes a vivir esta experiencia escénica. En esta cancha instalada proponemos pensar los espacios de disfrute\, de encuentro y recreación\, las canchas\, los parques\, la danza\, las sonoridades\, las memorias que nos habitan\, el ecua vóley\, el juego\, la minga\, la fiesta\, etc. Una banca\, un árbol\, césped\, jugar con pelotas\, bailar\, hablar sobre lo que pensamos\, son elementos que hacen que se despliegue y desarrolle la propuesta escénica. Preguntarnos sobre la relación que tenemos con estos espacios a nivel colectivo e individual\, así también preguntarnos sobre su importancia y sobre cómo nos gustaría que sean. Proponer el encuentro para escucharnos\, para conocernos\, entendernos y avanzar juntos en la construcción de un tejido social sensible.   \n\n\nFicha Artística\n\n\n\nDirección: Sandra Gómez Navas \nBailarines-creadores: Heidy García/o Stefanny Barragán\, Andy Cambisaca\, Steven Rivera y Sandra Gómez Navas. \nComposición sonora: Roberto Moscoso  \nVestuario\, objetos: Danza en la Calle \nProducción: Danza en la Calle 2025 \n\n\nDanza en el parque activa memorias de infancia y convierte la ciudad en un escenario vivo comunitario.
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LOCATION:Plaza del Teatro\, Quito\, Pichincha
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SUMMARY:FIEQ 2026 | El Conejo de Schrödinger
DESCRIPTION:El acceso es únicamente con donación.  \nLa Fiesta Escénica de Quito 2026 celebra diez años de consolidar un ecosistema artístico que forma y entretiene a la ciudadanía a través de las artes escénicas\, sus procesos de investigación\, creación y trabajo comunitario. Sigue el hilo de esta edición\, que se desarrollará del 20 de mayo al 14 de junio.  \nLa entrada será mediante donación\, que se receptará en el teatro donde se presentará la obra.\nMateriales para donar: lanas\, agujas\, telas\, hilos\, cuerdas\, pinturas\, goma\, hulas de colores\, platos de colores o vasos reutilizables.\nAdemás\, en el lugar podrán adquirir kits de donación elaborados por vecinos de la zona\, con valores entre $1 y $5.\nSinopsis\nEl Conejo de Schrödinger es una obra de Teatro danza que sigue a un astronauta perdido en su propio viaje. En su travesía aparece Harvey\, un conejo gigante que lo acompaña entre cajas\, luces y silencio. Juntos atraviesan distintos mundos donde los sueños toman forma y la realidad se disuelve como un recuerdo. La obra propone una mirada sobre lo humano desde la imaginación: un universo hecho a mano\, donde cada gesto y cada palabra son fragmentos de un sueño que intenta no apagarse. \nTeoría general del conejo y otros sueños persistentes\nEl Conejo de Schrödinger nace del encuentro entre un astronauta y un conejo. Uno busca sentido en el vacío\, el otro lo empuja a mirar más allá. A partir de esa relación se abre un viaje por distintos lenguajes escénicos: el documental\, el videojuego\, el título\, la danza. Cada escena revela una capa del mismo sueño\, una memoria que insiste en no desaparecer. La obra se construye como un espacio suspendido\, hecho de materiales simples: cajas de cartón\, estrellas\, voces y gestos. Todo parece frágil\, pero cada elemento contiene un pulso vital. En ese entorno el astronauta busca comprender qué queda de los sueños cuando dejamos de soñarlos\, y si acaso es posible regresar a la Tierra después de haber habitado el infinito. El Conejo de Schrödinger propone un tiempo donde pensar y sentir se confunden. No intenta responder\, sino mantener abierta la pregunta sobre lo que imaginamos\, recordamos o tememos perder. El universo\, aquí\, se parece a la mente de un niño que juega a construir mundos con lo que tiene una mano. \nGatoRelato/Escena\nEs una compañía independiente de Teatro danza y productora de contenido artístico fundada en 2015 por Nadinka Flores y Pedro S. Montoya. Nace en Ciudad de México y hoy trabajo desde Quito\, Ecuador. A lo largo del camino\, su lenguaje se fue tejiendo entre distintos territorios y colaboraciones\, hasta consolidar una forma de creación donde el cuerpo\, la palabra y la imagen conviven como una misma materia viva. Su práctica se enraíza en una poética del cuerpo influida por el Tanztheater y el Physical Theatre\, donde la acción física se convierte en signo. Cada obra surge de la tensión entre la vida cotidiana y la imaginación\, dando lugar a un teatro de cuerpos que piensan\, recuerdan y deliran. Para el grupo\, el arte es una forma de revelación que abre grietas de sentido en la existencia\, en diálogo con la filosofía de autores que nutren nuestra perspectiva teórica como Heidegger\, Bachelard y Bremound. En estos años han creado más de diez piezas escénicas y audiovisuales presentadas en festivales y espacios de Ecuador\, España\, México y Paraguay. También han desarrollado videodanzas como “Spines” y “La voz de octubre”\, reconocidas por su exploración poética del cuerpo en cámara. Trabaja desde un pequeño laboratorio de creación llamado El Gato Sinfín\, donde se encuentran intérpretes\, diseñadores\, músicos y pensadores que comparten una misma curiosidad por el arte vivo. Cada proyecto nace del juego y el tiempo compartido. \nFicha Artística\n\nProtagonizado por: César Santos (como el astronauta solitario) y Omar Bonilla (como Harvey\, el conejo García)\nEscrita y dirigida por: Nadinka Flores y Pedro S. Montoya\nBandas sonoras originales: Mario Porras\nTítulos: Camilo Pacheco\n\nObra de teatro danza que explora lo humano a través de un viaje entre sueños y realidades.
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LOCATION:Teatro Variedades\, Plaza del Teatro\, Quito\, Pichincha\, Ecuador
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SUMMARY:Tebas Land (segunda función)
DESCRIPTION:*Algunas localidades del Teatro Nacional Sucre requieren el uso de gradas para su acceso.\nPor favor\, considere lo siguiente para su movilización:  \nPLATEA: 12 gradas\n2DA DE PALCOS: 15 gradas\nLUNETA: 27 gradas\nTERRAZA TNS: 24 gradas \nUna historia real atraviesa la escena y se convierte en teatro. Tebas Land nace de una investigación artística con una Persona Privada de Libertad y reconstruye los encuentros entre un dramaturgo y un joven condenado por el asesinato de su padre. \nEn este juego entre realidad y ficción\, la obra no solo relata: expone su propio proceso creativo y enfrenta al espectador con los dilemas éticos de representar una historia marcada por la violencia. Aquí\, el teatro se vuelve espejo incómodo\, donde la paternidad\, la culpa y la mirada social se tensionan hasta el límite. \nMás que una obra\, Tebas Land es una experiencia intensa que te invita a ser testigo\, a cuestionar lo que crees saber y a mirar de frente aquello que muchas veces preferimos evitar. \nVívela por segunda vez en el Teatro Nacional Sucre. \nTebas Land explora crimen\, culpa y realidad en una intensa experiencia teatral.
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SUMMARY:Tebas Land
DESCRIPTION:*Algunas localidades del Teatro Nacional Sucre requieren el uso de gradas para su acceso.\nPor favor\, considere lo siguiente para su movilización:  \nPLATEA: 12 gradas\n2DA DE PALCOS: 15 gradas\nLUNETA: 27 gradas\nTERRAZA TNS: 24 gradas \nUna historia real atraviesa la escena y se convierte en teatro. Tebas Land nace de una investigación artística con una Persona Privada de Libertad y reconstruye los encuentros entre un dramaturgo y un joven condenado por el asesinato de su padre. \nEn este juego entre realidad y ficción\, la obra no solo relata: expone su propio proceso creativo y enfrenta al espectador con los dilemas éticos de representar una historia marcada por la violencia. Aquí\, el teatro se vuelve espejo incómodo\, donde la paternidad\, la culpa y la mirada social se tensionan hasta el límite. \nMás que una obra\, Tebas Land es una experiencia intensa que te invita a ser testigo\, a cuestionar lo que crees saber y a mirar de frente aquello que muchas veces preferimos evitar. \nVívela en el Teatro Nacional Sucre. \nTebas Land explora crimen\, culpa y realidad en una intensa experiencia teatral.
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SUMMARY:El Cadaver Negro del Sol
DESCRIPTION:*Algunas localidades del Teatro Nacional Sucre requieren el uso de gradas para su acceso. \nPor favor\, considere lo siguiente para su movilización: \nPLATEA: 12 gradas\n2DA DE PALCOS: 15 gradas\nLUNETA: 27 gradas\nTERRAZA TNS: 24 gradas \nSinopsis\nEl sol fue cooptado\, las acllas y su guardia permanecen con el único horizonte de engendrar al hijo del sol. El cadáver negro del sol es un ritual escénico contemporáneo construido sobre crónicas coloniales\, archivo moderno\, especulación post-solar\, deseo y rito. \nDos ciclos solares de duración\, diez bailarinas en escena con data astronómica en tiempo real modulando sonido y luz en vivo\, un universo sensorial denso y erótico que no separa la devoción del deseo. \nBiografía\nTardigradx bicephalus es el colectivo formado por Denise Neira Vieira y Gabriel Barreto Acosta. Se conocen hace más de veinte años y llevan una década de proyectos conjuntos sostenidos.  Su formación transdisciplinar —arquitectura\, diseño industrial\, composición electroacústica\, performance\, investigación artística— es su condición de origen transversal a su práctica artística y pedagógica. \nEntre sus proyectos más representativos están Transistores (2022)\, fondos IFCI 2021\, presentada en el Festival Fiesta Escénica del Teatro Nacional Sucre y otros varios festivales; CLIMA (2024–2025)\, ganadora de la residencia de creación de la Fiesta Escénica 2024\, FIAVL 2025\, Sala Mitómana 2026 con publicaciones académicas en la Revista Post(s) y en los Anales del Simpósio LUME de la Universidad Estatal de Campinas\, Brasil; Desmontaje de una fiesta centenaria (2024)\, proyecto editorial comisionado por la Cinemateca Nacional del Ecuador; y su participación como equipo educativo del proyecto HILA de la Fundación Museos de la Ciudad (2024). \n  \nObra ganadora de la Línea de Fomento de producción de artes escénicas IFAIC 2025.
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SUMMARY:PRELUDIO FIEQ 2026 | Estreno: “Algo sigue su curso”
DESCRIPTION:Después de la compra no se aceptan cambios ni devoluciones.  \nSinopsis\nEl mundo está devastado por un cataclismo climático provocado por el acelerado proceso de extractivismo industrial\, lo que ha degenerado un nuevo sistema de hipervigilancia y control. En este entorno hostil Lorna llega a uno de los bloques periféricos\, el 901\, con una misión\, llegar al afuera\, guiada secretamente por un ente misterioso arrastrará a sus compañeras Xuxi y la sabia a un escape desesperado por encontrar la esperanza de un nuevo mundo y la posibilidad de reconocerse como comunidad. Algo sigue su curso es un drama post- apocalíptica que aborda temas como la supervivencia\, la memoria\, y la voluntad de sostener la vida en un contexto donde la humanidad se ha convertido en la misma máquina que lo consume. \nUna producción de Proyecto Pendiente \nDirección: Iñaki MorenoDramaturgia: Salomé VelascoProducción general: Nadyezhda Loza MoreiraActuación: Elizabeth VALERIA\, Salomé Velasco\, Nadyezhda Loza MoreiraAsesoría dramatúrgica: Fulgencio M. LaxDiseño sonoro: Gabriel Barreto AcostaVestuario: Juana AriasEscenografía: Diego JácomeMaquillaje: Bernarda SalasDiseño de iluminación: Gerson GuerraTécnico de iluminación: Felipe SánchezComunicación: Eduardo VacaCoordinación audiovisual y edición: Emily AbrilRegistro visual: Michael Carchipulla Diseño gráfico: Andrés Jaramo \nEn un mundo postapocalíptico\, tres mujeres resisten vigilancia\, encierro y pérdida totalitario hoy.
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SUMMARY:Estreno Obra de Teatro Avenida Puente
DESCRIPTION:Después de su compra no se aceptan cambios y/o devoluciones.  \nSinopsis\nUna mujer está al borde. Rita se alza sobre un puente al final de una avenida infinita\, suspendida entre el salto y la palabra. Nadie entiende lo que dice. Nadie parece realmente escuchar. Mientras tanto\, Rosso pedalea hacia ella con una intención incierta: ¿rescatarla o traducirla? \nDesde ese punto de quiebre\, seis mujeres atraviesan la escena como ecos de un país que se desvanece. “Avenida-Puente” es un retrato fragmentado de una realidad donde la indiferencia se vuelve norma y la violencia se instala en silencio. \nEn medio de la neblina\, el puente deja de ser solo un lugar: es símbolo. ¿Huida o regreso? ¿Caída o vuelo? \nUna obra intensa\, cruda e irónica. Un estallido emocional que se ríe en el vacío mientras todo parece desmoronarse. \nFicha técnica\n\nDirección y puesta en escena: María Elena López\nAutor: Roberto Sánchez Cazar\nActuación: Irene Villacrés\, Jessica Barros\, María Elena López y Roberto Sánchez\nEscenografía y vestuario: María Elena López\nIluminación: Roberto Sánchez\nVideo y sonido: Jessica Barros\n\nUna producción del Teatro Ojo de Agua \nRita desafía el vacío en un puente mientras un país se desvanece entre indiferencia y violencia.
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SUMMARY:Un acto de fe (segunda función)
DESCRIPTION:*Algunas localidades del Teatro Nacional Sucre requieren el uso de gradas para su acceso.\nPor favor\, considere lo siguiente para su movilización:  \nPLATEA: 12 gradas\n2DA DE PALCOS: 15 gradas\nLUNETA: 27 gradas\nTERRAZA TNS: 24 gradas \nPreventa activa hasta el 15 de abril.\nUn Acto de Fe es una creación colectiva que nace de la improvisación escénica como motor de la dramaturgia y del sentido. A partir de este proceso\, los intérpretes exploran experiencias íntimas y urgentes —la maternidad\, la pérdida\, el cansancio\, la frustración\, el gozo\, la violencia\, la memoria y la crisis nacional— que se transforman en materia viva para la escena. \nLas improvisaciones dialogan con provocaciones concretas\, entre ellas la primera escena de Esperando a Godot de Samuel Beckett\, texto que funciona como detonante conceptual\, escénico y afectivo. Desde la imposibilidad de ensayar esta obra\, se despliega un mosaico de escenas fragmentadas\, honestas y viscerales\, donde la frontera entre ficción y realidad se vuelve porosa. \nLa puesta en escena propone una reflexión sobre el acto de crear en tiempos de crisis\, cuando el mundo parece desmoronarse y hacer teatro se convierte\, justamente\, en un acto de fe. \n– \n📄 Esta obra fue seleccionada dentro de la convocatoria pública de Coproducciones de la Fundación Teatro Nacional Sucre. Más información aquí.\nCreación colectiva que\, desde la improvisación\, reflexiona sobre el teatro\, la crisis y la fe.
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SUMMARY:Las cruces sobre el agua
DESCRIPTION:Después de la compra no se aceptan cambios y/o devoluciones. \nLa obra teatral “Las cruces sobre el agua”\, presentada por Teatro Ensayo\, lleva a escena una poderosa adaptación de la emblemática novela de Joaquín Gallegos Lara. La puesta en escena revive los trágicos acontecimientos del Masacre del 15 de noviembre de 1922 en Guayaquil\, cuando una multitud de trabajadores fue violentamente reprimida mientras exigía mejores condiciones laborales. \nA través de un lenguaje escénico que combina teatro y danza\, la obra retrata la resistencia obrera frente a la opresión y la explotación\, al tiempo que rinde homenaje a quienes entregaron su vida en la lucha por la justicia social. La intensidad corporal y la memoria histórica se entrelazan en una propuesta artística que invita a reflexionar sobre uno de los episodios más significativos de la historia social ecuatoriana. \nFundado en 1962 por el experto de la UNESCO Fabio Pacchioni\, Teatro Ensayo nació como un proyecto que integraba una Escuela de Arte Dramático\, un teatro experimental y un teatro popular. Desde entonces\, el colectivo ha mantenido una actividad ininterrumpida\, creando y difundiendo más de 100 obras del repertorio universal\, latinoamericano y ecuatoriano\, muchas de ellas de creación colectiva. Su trayectoria lo ha convertido en un referente de las artes escénicas del país\, participando en festivales y presentaciones en distintos países de América\, así como en Francia y Alemania. \nFicha técnica\nActrices/bailarinas: Catalina Pacheco\, Viviana Muñoz\, Karen Riera\, Geovanna López\, Ritha Pinos\, Paola Arce\, Marilyn Cabrera y Priscila Guerra.Actores/bailarines: Ignacio Gonzaga\, Jonathan Quishpe\, Kenny Amaguaya\, Sebastián Muñoz Zurita y Patricio Nogales.Técnico: Carlos Guamán.Dirección: Antonio Ordoñez.Coreografía: Marizza Cretenier (†). \nObra de Teatro Ensayo que revive la Masacre del 15 de noviembre de 1922 y la lucha obrera.
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LOCATION:Teatro México\, Tomebamba\, Quito 170121\, Quito\, Pichincha\, Ecuador
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SUMMARY:Tantas Flores
DESCRIPTION:*Algunas localidades del Teatro Nacional Sucre requieren el uso de gradas para su acceso. \nPor favor\, considere lo siguiente para su movilización: \nPLATEA: 12 gradas\n2DA DE PALCOS: 15 gradas\nLUNETA: 27 gradas\nTERRAZA TNS: 24 gradas \nDos hombres cruzan sus caminos después de más de medio siglo sin verso. El azar los reunió en el mismo parque donde\, de niños\, compartieron juegos\, secretos y una amistad que parecía inquebrantable. Pero el reencuentro no es casual: ocurre en medio del duelo por la muerte de la madre de uno de ellos\, detonando una memoria que había permanecido enterrada durante décadas. \nEntre silencios\, recuerdos y tensiones no resueltas\, ambos se enfrentan al pasado que los separó: un episodio abrupto y violento que marcó el final de su vínculo. Este encuentro los obligará a revisar quiénes fueron\, quiénes son ahora y si es posible reconstruir\, o al menos comprender\, aquello que quedó inconcluso. \nUna obra íntima y conmovedora sobre la memoria\, la culpa y las segundas oportunidades. \n– \nObra protagonizada por los actores ecuatoriano Roberto Manrique y Chevi Muray.  \nDos hombres se reencuentran tras décadas y enfrentan el pasado que rompió su amistad.
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LOCATION:Teatro Nacional Sucre\, Guayaquil &\, Manabi\, Quito 170401\, Quito\, Pichincha\, Ecuador
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SUMMARY:La Escalera Oscura
DESCRIPTION:Acceso libre\, con descarga previa de entrada para garantizar tu ingreso. \nLa Compañía Nacional de Danza presenta una nueva creación escénica nacida de un laboratorio coreográfico dirigido por Julio César Iglesias\, cuya mirada propone un territorio donde los cuerpos se entrelazan hasta convertirse en una sola materia viva. \nEn escena\, la oscuridad no es ausencia\, sino un estado físico y perceptivo: densidad\, presión\, escucha. Desde ese espacio emerge un paisaje humano en constante reorganización\, donde lo individual y lo colectivo conviven en tensión. Formas de poder\, ritual y comunidad se revelan en un unísono que absorbe las singularidades… hasta que aparece la grieta. \nEsa mínima desviación —un temblor\, una respiración que se desmarca— no destruye la forma: la transforma. La vuelve permeable. Y es desde esa fisura donde surge una luz distinta\, íntima\, nacida de la fricción entre cuerpos y del esfuerzo por sostener la diferencia dentro del conjunto. \nEsta pieza invita a habitar un espacio donde la identidad se diluye y reaparece\, donde la comunidad deja de ser un bloque uniforme para convertirse en un tejido sensible\, capaz de revelar lo que persiste en lo invisible. \nCuerpos en unísono se quiebran: una grieta revela luz\, identidad y comunidad en tensión.
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LOCATION:Teatro Nacional Sucre\, Guayaquil &\, Manabi\, Quito 170401\, Quito\, Pichincha\, Ecuador
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SUMMARY:Sucre para Guaguas: Margarita y el Mar (segunda función)
DESCRIPTION:Después de la compra no se aceptan cambios y/o devolución. \nMargarita y el mar es una experiencia escénica que invita a niñas\, niños y familias a sumergirse en un universo onírico donde la imaginación se convierte en refugio y transformación. Inspirada en el poema “A Margarita Debayle” de Rubén Darío \, la obra entrelaza teatro físico\, miniaturas\, sombras\, dibujo\, video y proyecciones para construir un mundo fantástico que acompaña el viaje emocional de una niña de 10 años. \nA través de una estética visual poética y profundamente sensorial\, la puesta en escena explora la magia\, el duelo\, el amor y la resiliencia desde la mirada luminosa de la infancia. La obra reflexiona sobre la capacidad de encontrar luz en medio de la pérdida y celebrar los vínculos que trascienden el tiempo y la muerte. \nEl trabajo escénico se desarrolla bajo la metodología de Jacques Lecoq \, tomando como base el concepto del “fondo poético común” para generar emoción y dar vida al universo imaginario de Margarita. Además\, el proceso creativo ha incorporado herramientas de Design Thinking desde 2022\, permitiendo que el montaje evolucione a través de prototipos y distintas etapas de producción. \nLa obra es una creación de Enredo Teatro \, colectivo de mujeres artistas que impulsa producciones teatrales y audiovisuales con enfoque artístico y social. Con un equipo especializado en comunicación y alianzas en diseño gráfico y producción audiovisual\, la compañía apuesta por generar experiencias escénicas que abran conversaciones y se conecten profundamente con el público. \nUna invitación a soñar\, recordar y abrazar la fuerza transformadora de la imaginación. \n– \nEste evento cuenta con los siguientes descuentos del 50 %\, los cuales podrán hacerse efectivos únicamente en la boletería del teatro\, previa presentación del documento habilitante:\n🎭 Niños/as \n♿ Personas con discapacidad \n🧓 Tercera edad\n– \n📄 Esta obra fue seleccionada dentro de la convocatoria pública de Coproducciones de la Fundación Teatro Nacional Sucre. Más información aquí.
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SUMMARY:Sucre para Guaguas: Margarita y el Mar (primera función)
DESCRIPTION:Después de la compra no se aceptan cambios y/o devolución. \nMargarita y el mar es una experiencia escénica que invita a niñas\, niños y familias a sumergirse en un universo onírico donde la imaginación se convierte en refugio y transformación. Inspirada en el poema “A Margarita Debayle” de Rubén Darío\, la obra entrelaza teatro físico\, miniaturas\, sombras\, dibujo\, video y proyecciones para construir un mundo fantástico que acompaña el viaje emocional de una niña de 10 años. \nA través de una estética visual poética y profundamente sensorial\, la puesta en escena explora la magia\, el duelo\, el amor y la resiliencia desde la mirada luminosa de la infancia. La obra reflexiona sobre la capacidad de encontrar luz en medio de la pérdida y celebrar los vínculos que trascienden el tiempo y la muerte. \nEl trabajo escénico se desarrolla bajo la metodología de Jacques Lecoq\, tomando como base el concepto del “fondo poético común” para generar emoción y dar vida al universo imaginario de Margarita. Además\, el proceso creativo ha incorporado herramientas de Design Thinking desde 2022\, permitiendo que el montaje evolucione a través de prototipos y distintas etapas de producción. \nLa obra es una creación de Enredo Teatro\, colectivo de mujeres artistas que impulsa producciones teatrales y audiovisuales con enfoque artístico y social. Con un equipo especializado en comunicación y alianzas en diseño gráfico y producción audiovisual\, la compañía apuesta por generar experiencias escénicas que abran conversaciones y conecten profundamente con el público. \nUna invitación a soñar\, recordar y abrazar la fuerza transformadora de la imaginación. \n– \nEste evento cuenta con los siguientes descuentos del 50 %\, los cuales podrán hacerse efectivos únicamente en la boletería del teatro\, previa presentación del documento habilitante:\n🎭 Niños/as\n♿ Personas con discapacidad\n🧓 Tercera edad\n– \n📄 Esta obra fue seleccionada dentro de la convocatoria pública de Coproducciones de la Fundación Teatro Nacional Sucre. Más información aquí.
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SUMMARY:Un acto de fe
DESCRIPTION:*Algunas localidades del Teatro Nacional Sucre requieren el uso de gradas para su acceso.\nPor favor\, considere lo siguiente para su movilización: \nPLATEA: 12 gradas\n2DA DE PALCOS: 15 gradas\nLUNETA: 27 gradas\nTERRAZA TNS: 24 gradas \nUn Acto de Fe es una creación colectiva que nace de la improvisación escénica como motor de la dramaturgia y del sentido. A partir de este proceso\, las intérpretes exploran experiencias íntimas y urgentes —la maternidad\, la pérdida\, el cansancio\, la frustración\, el gozo\, la violencia\, la memoria y la crisis nacional— que se transforman en materia viva para la escena. \nLas improvisaciones dialogan con provocaciones concretas\, entre ellas la primera escena de Esperando a Godot de Samuel Beckett\, texto que funciona como detonante conceptual\, escénico y afectivo. Desde la imposibilidad de ensayar esta obra\, se despliega un mosaico de escenas fragmentadas\, honestas y viscerales\, donde la frontera entre ficción y realidad se vuelve porosa. \nLa puesta en escena propone una reflexión sobre el acto de crear en tiempos de crisis\, cuando el mundo parece desmoronarse y hacer teatro se convierte\, justamente\, en un acto de fe. \nCreación colectiva que\, desde la improvisación\, reflexiona sobre el teatro\, la crisis y la fe. \n– \n📄 Esta obra fue seleccionada dentro de la convocatoria pública de Coproducciones de la Fundación Teatro Nacional Sucre. Más información aquí.
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LOCATION:Teatro Nacional Sucre\, Guayaquil &\, Manabi\, Quito 170401\, Quito\, Pichincha\, Ecuador
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SUMMARY:Todas las veces que te vi morir (segunda función)
DESCRIPTION:Después de la compra del boleto no se aceptan cambios y/o devoluciones. \nEsta obra nace en el marco de la Primera Residencia de Dramaturgia 2024\, con el apoyo de la Fundación Teatro Nacional Sucre\, como una obra comisionada que explora las grietas de la memoria\, la maternidad y la ausencia. \nEntre la soledad y el vacío de una casa habitada por recuerdos guardados en cajas de cartón\, Victoria intenta nombrar lo innombrable. Profesora\, dramaturga\, madre —o todas esas versiones que la atraviesan—\, se enfrenta a la desaparición de su hijo Simón\, reconstruyendo fragmentos\, inventando respuestas\, imaginando un destino posible para aquello que quedó inconcluso. \nLa obra se despliega como un ejercicio íntimo y desgarrador sobre la pérdida\, la culpa y la necesidad de sentido\, donde los roles se desdibujan y los vínculos se fracturan para revelar la fragilidad de lo humano. Un relato que interpela al espectador desde la memoria personal y colectiva\, invitándolo a habitar el silencio y la pregunta. \nFicha técnica\n\nDramaturgia y dirección: Pavel V. Hernández\nActuación: Cristina Marchán\, Diego Cerda\, Diego Luna Zurita\, Daniela Delgado Robalino Asistencia de dirección: Jolaho Crespo Cueva\nProducción: Alejandra Fernandez\nDiseño de luces: Katerina Velásquez\nDiseño de vestuario: Tamara Guiñansaca (LaTam) Diseño sonoro: Elaine Silva Solís Diseño escenográfico: Daniel Mena\nFotografías: Ana Lu Zapata / FTNS\n\nUna madre enfrenta la desaparición de su hijo\, entre memoria\, culpa y ausencia\, en un relato íntimo.
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SUMMARY:Todas las veces que te vi morir (primera función)
DESCRIPTION:Esta obra nace en el marco de la Primera Residencia de Dramaturgia 2024\, con el apoyo de la Fundación Teatro Nacional Sucre\, como una obra comisionada que explora las grietas de la memoria\, la maternidad y la ausencia. \nEntre la soledad y el vacío de una casa habitada por recuerdos guardados en cajas de cartón\, Victoria intenta nombrar lo innombrable. Profesora\, dramaturga\, madre —o todas esas versiones que la atraviesan—\, se enfrenta a la desaparición de su hijo Simón\, reconstruyendo fragmentos\, inventando respuestas\, imaginando un destino posible para aquello que quedó inconcluso. \nLa obra se despliega como un ejercicio íntimo y desgarrador sobre la pérdida\, la culpa y la necesidad de sentido\, donde los roles se desdibujan y los vínculos se fracturan para revelar la fragilidad de lo humano. Un relato que interpela al espectador desde la memoria personal y colectiva\, invitándolo a habitar el silencio y la pregunta. \nFicha técnica\n\nDramaturgia y dirección: Pavel V. Hernández\nActuación: Cristina Marchán\, Diego Cerda\, Diego Luna Zurita\, Daniela Delgado Robalino Asistencia de dirección: Jolaho Crespo Cueva\nProducción: Alejandra Fernandez\nDiseño de luces: Katerina Velásquez\nDiseño de vestuario: Tamara Guiñansaca (LaTam) Diseño sonoro: Elaine Silva Solís Diseño escenográfico: Daniel Mena\nFotografías: Ana Lu Zapata / FTNS\n\nUna madre enfrenta la desaparición de su hijo\, entre memoria\, culpa y ausencia\, en un relato íntimo.
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SUMMARY:Ternura
DESCRIPTION:Después de la compra no se aceptan cambios y/o devoluciones. \nTernura nace de una residencia creativa impulsada por la Fundación Teatro Nacional Sucre\, que brindó al equipo un espacio para explorar\, escribir y ensayar. La obra refleja el compromiso institucional con la investigación escénica contemporánea y la creación de nuevas dramaturgias en el país. \nTernura también es una experiencia escénica construida a partir de fragmentos que van y vienen\, como un partido de tenis entre la memoria y el olvido. A través de mensajes de voz que no saben despedirse\, fotografías familiares hechas cenizas y encuentros imposibles\, la obra explora el vínculo quebrado entre un padre y un hijo: dos extraños que se cruzan sin tocarse\, que avanzan en direcciones opuestas. \nEntre aeropuertos vacíos\, pelotas amarillas que chocan y abrazos que no ocurren\, Ternura indaga en el duelo\, la ausencia y aquello que permanece ardiendo en la memoria. Una puesta íntima y poética que convierte el fuego\, el cuerpo y la palabra en metáforas de la pérdida y del amor que no logra decir adiós. \nTernura explora memoria\, duelo y vínculos rotos entre padre e hijo\, entre mensajes\, fuego y ausencia
URL:https://teatrosucre.com/event/ternura-2/
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SUMMARY:Ternura
DESCRIPTION:Después de la compra no se aceptan cambios y/o devoluciones. \nTernura nace de una residencia creativa impulsada por la Fundación Teatro Nacional Sucre\, que brindó al equipo un espacio para explorar\, escribir y ensayar. La obra refleja el compromiso institucional con la investigación escénica contemporánea y la creación de nuevas dramaturgias en el país. \nTernura también es una experiencia escénica construida a partir de fragmentos que van y vienen\, como un partido de tenis entre la memoria y el olvido. A través de mensajes de voz que no saben despedirse\, fotografías familiares hechas cenizas y encuentros imposibles\, la obra explora el vínculo quebrado entre un padre y un hijo: dos extraños que se cruzan sin tocarse\, que avanzan en direcciones opuestas. \nEntre aeropuertos vacíos\, pelotas amarillas que chocan y abrazos que no ocurren\, Ternura indaga en el duelo\, la ausencia y aquello que permanece ardiendo en la memoria. Una puesta íntima y poética que convierte el fuego\, el cuerpo y la palabra en metáforas de la pérdida y del amor que no logra decir adiós. \nTernura explora memoria\, duelo y vínculos rotos entre padre e hijo\, entre mensajes\, fuego y ausencia
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SUMMARY:Miche Forever
DESCRIPTION:*Algunas localidades del Teatro Nacional Sucre requieren el uso de gradas para su acceso.\nPor favor\, considere lo siguiente para su movilización: \nPLATEA: 12 gradas\n2DA DE PALCOS: 15 gradas\nLUNETA: 27 gradas\nTERRAZA TNS: 24 gradas \nCarlos Michelena y Ana María Balarezo presentan una obra donde el humor es un medio poderoso para hablar de problemas reales en la sociedad ecuatoriana. \nEl pueblo quiteño y ecuatoriano enfrenta múltiples desafíos sociales\, desde la corrupción hasta la desigualdad económica. En este contexto\, el humor puede servir como un medio poderoso para expresar y procesar estas problemáticas de una manera accesible y entretenida\, permitiendo que temas complejos de nuestro diario vivir lleguen a un público más amplio. \n“Miche Forever» captura la esencia de la propuesta: unir el humor con la exploración crítica de la realidad ecuatoriana\, utilizando la comedia como medio para abordar temas de relevancia\, en una metáfora que sugiere que la vida es como un juego de azar\, donde a veces se gana y otras se pierde. \nEsta es una puesta en escena cómica que busca desarrollar las problemáticas y temas coyunturales que afectan el día a día. Es una reflexión sobre los imprevistos y sorpresas que nos depara el tiempo. Las historias evocan diferentes situaciones y emociones que pueden experimentarse a lo largo de nuestro andar. La propuesta escénica que mezcla el humor con la creatividad queda libre para la interpretación del espectador. \nHumor y crítica social se unen en escena para retratar la realidad ecuatoriana con risa y reflexión.
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LOCATION:Teatro Nacional Sucre\, Guayaquil &\, Manabi\, Quito 170401\, Quito\, Pichincha\, Ecuador
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SUMMARY:Sucre para guaguas: "Polvo de Estrellas"
DESCRIPTION:Entrada general y sin numeración de asiento. \nTodos los bebés/niñ@s a partir de 6 meses pagan su entrada\n“Polvo de estrellas” es una experiencia escénica multisensorial e interdisciplinaria creada para las primeras infancias. Dos artistas invitan al público a imaginar el ciclo de vida de una estrella a través del movimiento\, la luz\, la música\, la danza\, la acrobacia y los malabares. \nAl finalizar la presentación\, se abre un espacio lúdico único donde el público puede participar de forma creativa\, integrándose al escenario para jugar con la escenografía y la utilería\, siempre bajo la supervisión de adultos. \nLa propuesta invita a reflexionar sobre conceptos como la distancia\, el tiempo\, la trayectoria\, la gravedad y las dimensiones. \nDirigida a niñas y niños de 6 meses a 6 años\, así como a sus familias\, esta obra recibió en 2023 una mención de honor en los Premios Municipales al Arte y la Ciencia de la ciudad de Quito. \nFicha técnica\nNombre de la obra: Polvo de EstrellasEstreno: Octubre de 2022\, Santiago de Chile \nDramaturgia: Layla Raña (Chile)Co-dirección: Layla Raña\, Tanya Sánchez y Matías Belmar (Ecuador/Chile)Creación e interpretación: Tanya Sánchez y Matías Belmar \nFotografía: Andrea SerranoProducción: Andrea Serrano (Chile) y Tanya Sánchez (Ecuador)Diseño integral: Katiuska Valenzuela \nDuración total: 60 minutos \n\n\n30 minutos de exhibición escénica \n\n\n30 minutos de actividad de mediación (juego interactivo con el público) \n\n\nTiempo de montaje/desmontaje: \n\n\nCondiciones ideales: 1 día antes de la función \n\n\nOtras condiciones: mínimo 4 horas antes de la función \n\n\nGénero: Familiar – Primera infanciaPúblico recomendado: Niñas y niños desde 6 meses hasta 6 años\, junto a sus familias \nCoproducción: Iberescena 2022Círculo Artes Escénicas (Ecuador) y Layla Raña (Chile) \nViaje sensorial que invita a imaginar el ciclo de una estrella a través del arte y el juego.
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LOCATION:Teatro México\, Tomebamba\, Quito 170121\, Quito\, Pichincha\, Ecuador
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SUMMARY:XII ENCUENTRO INTERCOLEGIAL DE ARTE Y CULTURA “SOMOS” #2
DESCRIPTION:Después de su compra no se aceptan cambios y/o devoluciones. \nEL XXV FESTIVAL DEL SUR\nPresenta: \nXII ENCUENTRO INTERCOLEGIAL DE ARTE Y CULTURA\n“SOMOS”Una cita imperdible para el arte joven de Quito \nEl Festival del Sur celebra sus 25 años de vida reafirmando su compromiso con el arte\, la educación y la comunidad. Bajo el lema “SOMOS”\, esta edición reúne nuevamente a jóvenes talentos\, docentes y familias en torno a la creatividad y la expresión artística. \nNacido en 2001\, bajo un frondoso árbol de guaba en el tradicional barrio de La Magdalena\, el Festival del Sur se ha consolidado como uno de los procesos culturales de base más representativos de Quito y del Ecuador. A lo largo de su historia ha impulsado espacios de encuentro entre artistas nacionales e internacionales\, comunidades\, instituciones educativas y organizaciones culturales\, promoviendo procesos artísticos\, formativos e interculturales vinculados con la niñez\, la adolescencia\, la equidad de género\, el medio ambiente y la inclusión social. \nEntre sus iniciativas más destacadas se encuentra el Encuentro Intercolegial de Arte y Cultura\, creado en 2010 como respuesta a las inquietudes y sueños de los jóvenes del sur de Quito\, quienes ya participaban en el Festival a través de colectivos barriales de arte urbano. Este espacio nació para visibilizar el talento estudiantil y fomentar la creación artística dentro de las instituciones educativas\, convirtiéndose con los años en un referente nacional donde la juventud expresa su mirada sobre la realidad y sus propuestas para transformarla. \nEl XII Encuentro Intercolegial de Arte y Cultura “SOMOS” se llevará a cabo los días 27 y 28 de noviembre de 2025\, a partir de las 18h00\, en el emblemático Teatro México. Participarán una docena de Unidades Educativas del Distrito Metropolitano de Quito\, que presentarán lo mejor de su trabajo en teatro\, danza y música. \nEl evento contará además con la participación especial del dúo “Tango y Pasión” (Ecuador–Argentina) y de la reconocida pianista guarandeña Amanda Chávez Larrea\, quienes sumarán su arte a estas jornadas dedicadas a la juventud y la creación colectiva. \nAdemás\, para complementar el Encuentro\, el día jueves 27 a las 10h00 se presentará en grupo Teatro Pella con la obra «Valentina y la sombra del diablo»\, y el día viernes 28 a la misma hora el grupo de  danza etnocontemporánea Mac Latitud Cero. \nUnidades educativas participantes: Andrés Bello\, Alexander Von Humboldt\, Federico Engels\, Fiscal Sucre\, Hugo Alemán Fierro\, Giordano Bruno\, INEPE\, Juan Pío Montúfar\, Manuela Cañizares\, Pichincha\, entre otras. \nEl arte joven de Quito se celebra en el XII Encuentro Intercolegial “SOMOS” del Festival del Sur.
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SUMMARY:XII ENCUENTRO INTERCOLEGIAL DE ARTE Y CULTURA “SOMOS” #1
DESCRIPTION:Después de su compra no se aceptan cambios y/o devoluciones. \nEL XXV FESTIVAL DEL SUR\nPresenta: \nXII ENCUENTRO INTERCOLEGIAL DE ARTE Y CULTURA\n“SOMOS”Una cita imperdible para el arte joven de Quito \nEl Festival del Sur celebra sus 25 años de vida reafirmando su compromiso con el arte\, la educación y la comunidad. Bajo el lema “SOMOS”\, esta edición reúne nuevamente a jóvenes talentos\, docentes y familias en torno a la creatividad y la expresión artística. \nNacido en 2001\, bajo un frondoso árbol de guaba en el tradicional barrio de La Magdalena\, el Festival del Sur se ha consolidado como uno de los procesos culturales de base más representativos de Quito y del Ecuador. A lo largo de su historia ha impulsado espacios de encuentro entre artistas nacionales e internacionales\, comunidades\, instituciones educativas y organizaciones culturales\, promoviendo procesos artísticos\, formativos e interculturales vinculados con la niñez\, la adolescencia\, la equidad de género\, el medio ambiente y la inclusión social. \nEntre sus iniciativas más destacadas se encuentra el Encuentro Intercolegial de Arte y Cultura\, creado en 2010 como respuesta a las inquietudes y sueños de los jóvenes del sur de Quito\, quienes ya participaban en el Festival a través de colectivos barriales de arte urbano. Este espacio nació para visibilizar el talento estudiantil y fomentar la creación artística dentro de las instituciones educativas\, convirtiéndose con los años en un referente nacional donde la juventud expresa su mirada sobre la realidad y sus propuestas para transformarla. \nEl XII Encuentro Intercolegial de Arte y Cultura “SOMOS” se llevará a cabo los días 27 y 28 de noviembre de 2025\, a partir de las 18h00\, en el emblemático Teatro México. Participarán una docena de Unidades Educativas del Distrito Metropolitano de Quito\, que presentarán lo mejor de su trabajo en teatro\, danza y música. \nEl evento contará además con la participación especial del dúo “Tango y Pasión” (Ecuador–Argentina) y de la reconocida pianista guarandeña Amanda Chávez Larrea\, quienes sumarán su arte a estas jornadas dedicadas a la juventud y la creación colectiva. \nAdemás\, para complementar el Encuentro\, el día jueves 27 a las 10h00 se presentará en grupo Teatro Pella con la obra «Valentina y la sombra del diablo»\, y el día viernes 28 a la misma hora el grupo de  danza etnocontemporánea Mac Latitud Cero. \nUnidades educativas participantes: Andrés Bello\, Alexander Von Humboldt\, Federico Engels\, Fiscal Sucre\, Hugo Alemán Fierro\, Giordano Bruno\, INEPE\, Juan Pío Montúfar\, Manuela Cañizares\, Pichincha\, entre otras. \nEl arte joven de Quito se celebra en el XII Encuentro Intercolegial “SOMOS” del Festival del Sur.
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SUMMARY:Permiso para mirar la pared
DESCRIPTION:Después de la compra de su boleto no habrá cambios y/o devoluciones. \nGrupo: Deus Ex Machina (Quito) Obra:  Permiso para mirar la pared Año de creación: 2023 Género: Teatro experimental \nLa obra aborda cómo lo absurdo del mundo se ha vuelto parte de lo cotidiano. Guerras\, migraciones y exclusiones se han normalizado al punto de perder nuestra capacidad de asombro. Sin embargo\, incluso en las peores circunstancias\, el ser humano busca rescatar aquello que lo hace verdaderamente humano. \nEn ese rescate habita la esperanza: actos de solidaridad\, compasión y valentía que nos recuerdan nuestra esencia más profunda. Son esas chispas de la humanidad las que nos conectan\, nos impulsan a seguir y nos animan a luchar por un mundo donde la dignidad y la empatía sean los pilares de nuestra convivencia. \nCon un elenco de 13 artistas en escena (12 actores y un músico)\, la obra invita a reflexionar sobre nuestro poder transformador y nos desafía a ser agentes de cambio en un mundo que\, a veces\, parece haber olvidado su humanidad. \nLa obra muestra cómo en medio del absurdo y la desgracia\, la humanidad rescata esperanza y unión.
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SUMMARY:Ayoub / Work in progress (Argentina)
DESCRIPTION:En la función acompañará el actor Ibrahim Ibnou Goush. Además\, la obra se presentará en castellano y dariya.\nAiub. Ioug. Ayub. Ainou. Aiou. Tuve la misma dificultad para pronunciar su nombre árabe\, que para entender que nuestro amor no era posible en un mundo imposible. \nEste nombre vino a destruir\, de algún modo\, mi occidente. Inicialmente\, este proyecto tenía el propósito de salvar a un hombre que se encontrara en una situación vulnerable\, y que ese hombre me salvara a mí de la soledad. Hice un viaje a Tánger (Marruecos) para buscarlo\, casarme con él\, darle mis papeles de sudaca europeizada y hacer una nueva obra a partir de eso. \nPero apareció Ayoub y el proyecto se desplomó. Su nombre (“el retornado” o “el arrepentido”) es muy popular en los países islámicos: 615 niños así llamados fueron asesinados por el estado sionista de Israel en la franja de Gaza. \nPor esos muertos le pongo tu nombre a esta obra que habla de ti\, de colonialismo\, de Palestina. \nY de todo lo que quiero matar dentro de mí. \nMarina Otero \nMarina Otero regresa Quito con su obra «AYOUB»\, una historia personal con colonialismo entre sus ingredientes. \n\n*Algunas localidades del Teatro Nacional Sucre requieren el uso de gradas para su acceso. \nPor favor\, considere lo siguiente para su movilización: \nPLATEA: 12 gradas\n2DA DE PALCOS: 15 gradas\nLUNETA: 27 gradas\nTERRAZA TNS: 24 gradas
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LOCATION:Teatro Nacional Sucre\, Guayaquil &\, Manabi\, Quito 170401\, Quito\, Pichincha\, Ecuador
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SUMMARY:Lo que Darwin no vio de la Evolución
DESCRIPTION:Después de la compra de su boleto no habrá cambios y/o devoluciones. \nEl FITIJ Guaguas de Maíz es un espacio anual que\, desde hace 17 años\, impulsa las artes escénicas dirigidas a la infancia y la juventud en Ecuador. Este encuentro reúne a niñas\, niños\, jóvenes\, docentes\, madres\, padres y familias enteras en torno al teatro\, el arte y la vida\, promoviendo un entorno saludable de aprendizaje y disfrute colectivo. \nSu programación incluye obras teatrales\, talleres\, encuentros académicos\, capacitaciones y actividades paralelas que involucran a diversos sectores: públicos infantiles y juveniles\, familias\, profesionales de las artes escénicas\, educadores y especialistas de otras disciplinas\, todos unidos por la creación y la reflexión sobre el quehacer artístico para nuevas generaciones. \n\nSinopsis de la obra Lo que Darwin no vio de la Evolución\nEn una de las islas del archipiélago de Galápagos\, un grupo de gaviotas se enfrenta a la amenaza de ser exterminado por aves más grandes. Ambos bandos compiten cada día por el alimento\, hasta que\, para sobrevivir\, las gaviotas deciden cambiar su destino: evolucionan y se vuelven aves de hábitos nocturnos. Así logran escapar del acecho constante y abrir un nuevo camino en su historia evolutiva. \n\nTilintintero\nDirección y actuación: David Torres Regalado \nDavid Torres Regalado inició su trayectoria artística en 1980 como actor del grupo Ollantay\, donde también descubrió su pasión por los títeres. En 1990 viajó a Buenos Aires\, Argentina\, para estudiar en la Escuela Municipal de Arte Dramático (EMAD)\, donde se graduó en 1992. \nEse mismo año fundó su grupo Tilintintero\, con el que ha creado más de cincuenta propuestas escénicas que combinan teatro y títeres. Entre sus obras más destacadas se encuentran: Porque el sapo es aplastado\, Lo que Darwin no vio de la Evolución\, Sé mis ojos\, Amor a primera vista\, Historia del huevo perdido\, Sirulfo y Mandinga y Rosita y el cachudo.
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LOCATION:Teatro México\, Tomebamba\, Quito 170121\, Quito\, Pichincha\, Ecuador
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SUMMARY:PUNDONOR (Argentina)
DESCRIPTION:*Algunas localidades del Teatro Nacional Sucre requieren el uso de gradas para su acceso. \nPor favor\, considere lo siguiente para su movilización: \nPLATEA: 12 gradas\n2DA DE PALCOS: 15 gradas\nLUNETA: 27 gradas\nTERRAZA TNS: 24 gradas \nDirección: Rafael Spregelburd y Andrea GarroteTexto e interpretación: Andrea Garrote \n«Pundonor» es una obra que une el pensamiento filosófico con la teatralidad más viva. Es un monólogo escrito e interpretado por Andrea Garrote\, quien da vida a Claudia Pérez Espinosa\, una profesora universitaria y Doctora en Sociología que regresa al aula tras un tiempo de licencia. \nSu clase —una introducción a Michel Foucault— se ve interrumpida una y otra vez por su propio estado emocional. Claudia necesita justificarse\, explicarse\, redimirse. En medio de esa fragilidad\, se vuelve imprevisible\, vulnerable\, y acaba convirtiéndose en el ejemplo más extremo de su propia teoría. \nLa obra plantea una pregunta profunda sobre nuestro tiempo: ¿cómo resistir a los mecanismos del poder que reproducimos sin cesar? ¿Es posible recuperar la libertad\, la inocencia\, la capacidad de actuar sin estar condicionados? \n«Pundonor» encarna un teatro femenino\, urgente y lúcido\, que cuestiona los roles de género y otorga a la escena una voz poderosa y sofisticada dentro de la dramaturgia contemporánea. \nMonólogo de una profesora en crisis que\, entre Foucault y su culpa\, busca redimirse ante sus alumnos.
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SUMMARY:En mitad de tanto fuego (España)
DESCRIPTION:*Algunas localidades del Teatro Nacional Sucre requieren el uso de gradas para su acceso. \nPor favor\, considere lo siguiente para su movilización: \nPLATEA: 12 gradas\n2DA DE PALCOS: 15 gradas\nLUNETA: 27 gradas\nTERRAZA TNS: 24 gradas \nLa guerra de Troya ha sido cantada por los siglos de los siglos\, una y otra vez\, desde la Ilíada hasta hoy. Pero esta no es la historia de la guerra de Troya. \n«En mitad de tanto fuego» cuenta la historia de Patroclo\, “el más amado por Aquiles”. Esta es la historia de la carne que antes de morir\, amó. \nAlberto Conejero (reconocido y multipremiado autor español\, nacido en Jaén en 1978) convoca\, entre muchas otras\, las voces de Safo\, Lorca y Lemebel en esta aproximación íntima y singular de la «Ilíada»\, que opone al soldado\, el amante insaciable; a los héroes de guerra\, una estirpe de raros; y a los himnos y las espadas\, una alegría desesperada y la posibilidad de imaginar un futuro de matrias gobernadas por amazonas y maricas. \n«En mitad de tanto fuego» es un canto al amor en un mundo signado por la guerra\, un manifiesto a favor del deseo y la disidencia. \n\nFuente del texto – Alternativa Teatral. Visita su página aquí. \nObra poética sobre la guerra\, dirigida por Xavier Albertí y escrita por Alberto Conejero\, voz clave del teatro español.
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SUMMARY:Abono semana monólogos: toda la semana
DESCRIPTION:En noviembre disfruta de tres monólogos internacionales en la Fundación Teatro Nacional Sucre.\nCon este abono\, obtén acceso a las tres obras con más de la mitad de descuento en su precio original. \nSolo hay 70 cupos disponibles\, correspondientes a la localidad de platea del Teatro Nacional Sucre. \n\nEn mitad de tanto fuego\nPUNDONOR\nAyoub / Work in Progress\n\n¡Adquiere tu abono y no te quedes fuera! \nAbonos que permiten la entrada a las obras «En mitad de tanto fuego»\, «PUNDONOR» y «Ayoub / Work in Progress».
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SUMMARY:A punto caramelo
DESCRIPTION:‘A punto caramelo’ es una experiencia escénica que entrelaza poesía\, danza\, sonido y emociones para atravesar la sombra\, volver al centro y reconectar con la magia interior. Mírala en vivo este 25 de septiembre a las 19h00 en el Teatro Nacional Sucre.  \nA punto caramelo es una obra que explora el tránsito entre la luz y la sombra como camino hacia el equilibrio y la recuperación del poder personal. La memoria del pasado se revela como llave para acceder a un estado superior de conciencia\, desde el cual es posible volver al centro y reencontrarse con la magia. \nConstruida desde la poesía\, el drama y la comedia\, esta propuesta escénica se vale del sonido como herramienta de exploración y canal de sanación. Es una búsqueda estética y espiritual que lleva al espectador a un espacio íntimo\, donde su propia sombra se verá reflejada\, provocando una catarsis que puede abrir paso al llanto o la risa como formas de sanación. \nLa obra nace de un momento vital de la actriz\, quien parte desde su cosmovisión —interna y externa— para indagar en el comportamiento humano\, tanto individual como colectivo. Está inspirada en imágenes\, composiciones\, fotografías\, historias cercanas y situaciones coyunturales\, así como en la precariedad existencial de la humanidad. Todo esto se articula en escena para plantear una pregunta central: ¿Por qué existimos? \nDesde esta interrogante se teje una experiencia escénica que busca conmover la conciencia del público. La intimidad como territorio de autoconocimiento es uno de los ejes de la obra\, que propone un recorrido sensorial y emocional cargado de belleza\, reflexión y dulzura. \nEl movimiento tiene un rol fundamental: el cuerpo en danza como canal expresivo\, acompañado por bailarines que colaboran en la creación de universos escénicos y estéticos extraordinarios. El sonido —y en particular la voz— es otro pilar de esta investigación\, concebido como instrumento sensible de conexión con la psique profunda. \nLa puesta en escena tiene una duración estimada de 2 horas\, en consonancia con la extensión habitual del trabajo escénico de la actriz. \n– \n*Algunas localidades del Teatro Nacional Sucre requieren el uso de gradas para su acceso.\nPor favor\, considere lo siguiente para su movilización: \nPLATEA: 12 gradas\n2DA DE PALCOS: 15 gradas\nLUNETA: 27 gradas\nTERRAZA TNS: 24 gradas 
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